Quién es John Ruskin?

Este año se celebra el 200 Aniversario de John Ruskin (1819-1900), el hombre cuyas teorías influyeron en Oscar Wilde, William Morris, los Prerrafaelitas, Marcel Proust, Ghandi, los impresionistas…

Artista, crítico, experto en estética y ética, pensador, vidente, este revolucionario social desafió los fundamentos morales de la Gran Bretaña victoriana. Despreciaba al capitalismo y a los bárbaros que saben el precio de todo y el valor de nada.

Retrato de John Ruskin por Herbert Rose Barraud, 1882

Retrato de John Ruskin por Herbert Rose Barraud, 1882

Ruskin creía en el poder del arte para transformar las vidas de las personas oprimidas más por el analfabetismo visual que por las malas condiciones materiales. Su deseo apasionado era abrir los ojos de la gente a la belleza libre que les rodeaba: puestas de sol, luz suave del amanecer, plumas iridiscentes, espectaculares cristales naturales, hojas verdes contra el cielo azul, nubes, la vitalidad de la arquitectura gótica y el ornamento. Su credo era: “No hay riqueza sino vida”.

Un conservacionista pionero, que previó el ‘efecto invernadero’ hace más de un siglo, Ruskin inspiró el establecimiento de The National Trust y los fundadores del movimiento de Parques Nacionales.

Fue uno de los primeros en ver una ramita como un árbol en miniatura, un cristal de roca como una montaña en miniatura, ideas ahora encarnadas en la ‘geometría fractal’ de la Teoría del Caos.

Ruskin fue un verdadero polimático. Sus intereses fueron de gran alcance, desde sus investigaciones sobre la estructura geológica de los Alpes hasta su observación de los efectos malignos de la Revolución Industrial en la atmósfera y la contaminación del medio ambiente y las almas de los hombres, desde su defensa del genio de Turner hasta su comprensión de que el arte y la arquitectura de un lugar es un reflejo de su condición social y moral en un momento particular en el tiempo.

John Ruskin. Una rama de olivo y dos contornos Foto (c) Tate, Creative Commons CC-BY-NC-ND (3.0 Sin puerto) de hojas, antes de 1877

John Ruskin. Una rama de olivo y dos contornos de hojas, antes de 1877. Foto (c) Tate, Creative Commons CC-BY-NC-ND

La botánica de Ruskin se ocupa de cómo crecen las plantas y de las implicaciones y lecciones morales y sociales implícitas. En Modern Painters V, Ruskin declara la ley de la desviación: “cada hoja cae gradualmente desde la más alta”; La ley de la sucesión: las hojas siguen espirales, patrones geométricos en los que el tamaño expresa el orden de crecimiento; y la ley de la resiliencia: cada hoja ‘se tuerce alrededor de su tallo’ para mantener la dirección correcta del crecimiento.

Ruskin nota cómo cada rama, cada hoja, se esfuerza por mantenerse fuera del camino de las otras para que ninguna esté privada de aire, sol y lluvia. En la planta, el sacrificio individual significa vida común: el árbol es un monumento a la hoja. Dicha confraternidad ya no se puede encontrar en Inglaterra, donde las reglas de la competencia y “cada uno encuentra luchando por el lugar de su vecino”.

Notas extraídas del perfil de John Ruskin en The Ruskin Museum

Ver texto completo aquí

En España, recientemente se ha publicado las memorias del victoriano, Praeterita. Traducidas por primera vez al castellano, se trata de un texto emocionante que nos ayuda a conocer mejor la compleja personalidad de este insigne artista y pensador.

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John Ruskin. PraeteritaTraducido por Andrés Arenas y Enrique Girón  Prólogo de Salvador Moreno. Editado por Langre/Victoriana, 2018

 

 

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Pintura: Room 1/19

Room 2019. Óleo s/lienzo y digital, impreso 38 x 46 cm

Room 2019. Óleo y digital, 38 x 46 cm

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Paisaje, 2019

Paisaje de invierno, 2019. Lápiz color y óleo s/tela, 30 x 40 cm
Paisaje de invierno, 2019. Lápiz color y óleo s/tela, 30 x 40 cm
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José Ortiz Echagüe

José Ortiz-Echagüe

Aguadoras de Montehermoso (1932)

Aguadoras de Montehermoso (1932)

“Durante toda mi actividad fotográfica he realizado siempre mis copias positivas por el procedimiento que yo llamo al carbón directo. Esta clase de papel fotográfico era solamente fabricado en plan de artesanía por M. Fresson en Francia, y sólo pueden emplearse recién fabricados, ya que su emulsión se insolubiliza pronto, por lo que su comercialización es casi imposible. Su fabricante se dedicaba por ello a hacer trabajos para los profesionales y limitaban la venta…. M. Fresson al conocer mi trabajo se interesó por él y me facilitó durante toda su vida ese papel, lo que continuó haciendo un hijo suyo y luego su nieto. Cuando este último dejó de fabricarlo puso a mi disposición los medios para hacerlo yo mismo. Así pues, desde hace años el papel he fabricado yo el papel, al que he denominado “Carbondir” para la realización de mis trabajos.

Un pastor en Calatañazor (1957)

Un pastor en Calatañazor (1957)

La emulsión del llamado carbón Fresson está hecha a base de una gelatina con pintura acuarela que, extendida sobre un papel neutro, se sensibiliza unas horas antes de su impresión, sumergiéndole en una solución de bicromato de potasa. Este bicromato tiene una gran virtud fotográfica que es la de insolubilizar la gelatina con la acción de la luz.

Para lograr la imagen se mezcla el agua con fino serrín de madera y la mezcla arrojada sobre el papel arrastra más o menos gelatina con su color según sea la luz recibida. Así se logra una imagen que es esencialmente de pintura acuarela sobre papel de dibujo.  La preparación del papel es delicada y larga, con sus cuatro capas de emulsión. Esta preparación, como todos mis trabajos fotográficos, los he realizado siempre totalmente solo, sin ayudantes de ninguna clase.

Debo por último declarar rotundamente que aborrezco toda intervención que tienda a imitaciones pictóricas, que no deseo que se me clasifique entre los que en el mundo anglosajón se denominan pictorialistas, pues he deseado siempre que mis obras no aparecieran rastro de intervención manual ya que si con frecuencia requieren una labor de retoque, ésta debe realizarse con todo respeto al fondo fotográfico.”

La cámara  Photo Esphere con la que Ortiz-Echagüe logró ejemplares únicos.

La cámara Photo Esphere con la que Ortiz-Echagüe logró ejemplares únicos.

José_Ortiz_Echagüe (1886-1980)

Considerado por la revista American Photography como uno de los tres mejores fotógrafos del mundo, asociado a la generación del 98.

Él mismo hizo una clasificación de sus obras al agruparlas en cuatro libros: Tipos y Trajes (1930), España, Pueblos y Paisajes (1939), España Mística (1943) y España, Castillos y Alcázares (1956). A estas colecciones se deben añadir otras dos series: Marruecos y fotos familiares.

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Joaquín Torres García: The Arcadian Modern

Joaquín Torres-García: The Arcadian Modern es el título de la mayor retrospectiva del artista uruguayo (1874-1949) hasta la fecha, y ha sido en el MoMA de NY, con 190 piezas entre frescos, dibujos, collages, óleos y esculturas.

Nueva York, la ciudad que le dio elementos de inspiración, recibe su obra y lo reconoce como uno de los maestros de la pintura moderna.

 

Esta antológica llega a Madrid al  Espacio Fundación Telefónica del 19 de mayo al 11 de septiembre de 2016 y luego viajará al  Museo Picasso Málaga, del 10 de octubre al 5 de febrero de 2017.

Del número a la armonía en Joaquín Torres García

Click para descargar el catálogo de obras que han ido a la antológica

http://press.moma.org/wp-content/files_mf/joaquintorresgarcia_finalchecklist.pdf

Entrevista con Luis Pérez-Oramas, organizador de la retrospectiva

http://especiales.elobservador.com.uy/torresgarcia/

MoMA

http://www.moma.org/calendar/exhibitions/1506

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La etapa vanguardista de Palencia

A Benjamín Palencia le descubrió Juan Ramón Jiménez, que en el año 1923 habla del “áurea del elegido” en su libro Niños.

1924 Benjamín Palencia

1924. Óleo sobre papel pegado a contrachapado. 57,5 x 50,5 cm. MNCARS

 

1924 Benjamin Palencia

1924. Óleo s/lienzo 93,5 x 87 cm. MNCARS

1927 Benjamin Palencia

1927. La perdiz. Óleo s/lienzo. MNCARS

1927 Benjamin Palencia

1927. Bodegón. Colección Pilar Citoler

1930 Benjamin Palencia

1930. Piedras creando un paisaje. Óleo s/lienzo 65,5 x 92 cm. MNCARS

1931 Benjamín Palencia

1931 Signos rítmicos. Óleo s/lienzo 65,5 x 92,5 cm. MNCARS

1932 Benjamin Palencia

1932. Pájaros sobre fondo de arena.92,5 x 65,5 óleo y arena sobre lienzo.MNCARS

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Pintura: Hojas en otoño

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Hojas en otoño (2015) Óleo s/lienzo 22 x 33 cm

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Pintura: Campo/15

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Peñalara

 

 

Panorámica

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Peñalara3

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Pintura: Atmósferas (2012)

Nieves Corcoles 2012

Nieves Corcoles atmósferas 2012-2

Nieves Corcoles Atmosferas 2012-3

Nieves Corcoles Atmosferas 2012-4

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El sueño del artista: Fernando Zóbel

 

Fernando Zóbel (de espaldas), Gerardo Rueda, Gustavo Torner y José Guerrero, en casa de Torner en Cuenca 1966. Foto: Eric Schaal. Cortesía de Eric Schaal Estate, http://www.march.es/arte/cuenca/exposiciones/ciudad/zobel.asp

Fernando Zóbel (de espaldas), Gerardo Rueda, Gustavo Torner y José Guerrero, en casa de Torner en Cuenca 1966. Foto: Eric Schaal. Cortesía de Eric Schaal Estate, http://www.march.es/arte/cuenca/exposiciones/ciudad/zobel.asp

Museo Arte Abstracto

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Fernando Zóbel

Fernando Zabel. Pintura

Fernando Zóbel tomando apuntes en Concord, Massachusetts. Foto: William H. Bond

Fernando Zóbel tomando apuntes en Concord, Massachusetts. Foto: William H. Bond

El Museo de Arte Abstracto de Cuenca fue el sueño del gran pintor abstracto y coleccionista Fernando Zóbel. Gracias a él tenemos un emblemático museo en el que queda reunida  la vanguardia pictórica abstracta española.

En el museo se encuentran los más representativos artistas del Movimiento Abstracto Español del siglo XX: Feito, Millares, Zóbel, Torner, Saura, Rueda, Chillida, y Tapies, entre otros.

http://www.rtve.es/alacarta/videos/imprescindibles/imprescindibles-colgados-sueno/1698538/

Museo de Arte Abstracto de Cuenca

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Pintura pintura

Empezando a organizar mi página web, he encontrado unas copias velazqueñas que hice en 1981

100 x 150 óleo s/cartón

meninas baja

meninab

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