Campo 5/14

5/2014 Óleo s/lienzo 24 x 30 cm

5/2014 Óleo s/lienzo 24 x 30 cm

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Pintura: Campo (3)

Óleo s/lienzo 65 x 81 cm

Paisaje 3. Óleo s/lienzo 65 x 81 cm. jul 2014

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Kati Horna

Kati Horna (1912-2000) participó en la Guerra Civil española y fue miembro de los grupos anarquistas Mujeres Libres y Tierra y Libertad. Algunas de sus fotos sirvieron para hacer carteles de propaganda republicana; también fotografió la vida cotidiana en diferentes pueblos en este tiempo de guerra. En 1939 emigró a México, donde formó parte de los círculos surrealistas y se dedicó a la enseñanza de fotografía en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y en la Universidad Iberoamericana.

La galería parisina Jeu de Paume ha organizado la primera retrospectiva de sus trabajos, más de 6 decenios de producción en Hungría, Francia, España y México. Kati Horna forma parte de la generación de fotógrafos húngaros (Robert Capa, Láslò Moholy-Nagy, Nicolás Muller, Brassaï…) que abandonaron su país a causa de los conflictos y de la inestabilidad social de los años (19)30.

Robert Capa en el estudio de József Pécsi, Budapest, 1933 Archivo Privado de Fotografía y Gráfica Kati y José Horna © 2005 Ana María Norah Horna y Fernández

Robert Capa en el estudio de József Pécsi, Budapest, 1933 Archivo Privado de Fotografía y Gráfica Kati y José Horna © 2005 Ana María Norah Horna y Fernández

Los Paraguas, mitin de la CNT Guerra Civil Española. Barcelona, 1937. Archivo Privado de Fotografía y Gráfica Kati y José Horna © 2005 Ana María Norah Horna y Fernández

Los Paraguas, mitin de la CNT Guerra Civil Española. Barcelona, 1937 Archivo Privado de Fotografía y Gráfica Kati y José Horna © 2005 Ana María Norah Horna y Fernández

S/T Vélez Rubio, Almeria, Andalucía, Guerra Civil española,1937. Archivo Privado de Fotografía y Gráfica Kati y José Horna © 2005 Ana María Norah Horna y Fernández

S/T Vélez Rubio, Almeria, Andalucía, Guerra Civil española,1937. Archivo Privado de Fotografía y Gráfica Kati y José Horna © 2005 Ana María Norah Horna y Fernández

Carnaval de  Huejotzingo, Puebla, 1941 Archivo Privado de Fotografía y Gráfica Kati y José Horna. © 2005 Ana María Norah Horna y Fernández

Carnaval de Huejotzingo, Puebla, 1941
Archivo Privado de Fotografía y Gráfica Kati y José Horna. © 2005 Ana María Norah Horna y Fernández

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Paraísos artificiales. México 1962 Colección Museo Amparo.
© 2005 Ana María Norah Horna y Fernández

La exposición se ha organizado en torno a cinco periodos: sus comienzos entre Budapest, Berlín y París (1933-37); España y la Guerra Civil (1937-39); París de nuevo en 1939; y México. Las obras proceden del Archivo Privado de Fotografía y Gráfica Kati y José Horna; del Centro documental de la Memoria Histórica de España (Salamanca); del Museo Amparo en Puebla; y de colecciones privadas.

Kati Horna
Jeu de Paume
Del 3 de junio al 1 de septiembre de 2014

Fotos y más info: http://www.loeildelaphotographie.com/2014/06/03/exhibition/25049/paris-kati-horna-jeu-de-paume

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Ortiz Echagüe. Norte de Africa

José Ortiz Echagüe es una de las figuras más relevantes de la fotografía del siglo XX en España, un artista reconocido internacionalmente y clave por la singularidad de su trabajo, difícil de clasificar. Su obra comparte muchos rasgos con la fotografía pictorialista por el uso de técnicas pigmentarias, el cuidado de las composiciones y el tratamiento formal de sus imágenes. Al mismo tiempo, entendió su obra con un propósito documental, fotografiando a los personajes locales en su entorno natural.

Ortiz Echagüe Siroco en el Sahara, 1965 © José Ortiz De Echagüe, Fondo Fotográfico Universidad de Navarra. Fundación Universitaria de Navarra, VEGAP, Madrid, 2014

Ortiz Echagüe Siroco en el Sahara, 1965

Norte de África revisa sus primeros trabajos, quizá los menos conocidos, realizados en el norte de Marruecos. Incluye tanto la fotografía aérea a la que dedicó buena parte de su tiempo, como retratos y paisajes en los que muestra las condiciones de vida y las tradiciones de los habitantes del Rif. La exposición pretende recordar el trabajo que dio origen a la obra madura del autor, clasificada en cuatro grandes series temáticas recogidas en los libros Tipos y trajes (1930), España, pueblos y paisajes (1939), España mística (1943) y España, castillos y alcázares (1956).

Ortiz Echagüe Aït Ben Haddou 1, 1965

Ortiz Echagüe Aït Ben Haddou 1, 1965

Ortiz Echagüe. Moro del Rif 2, 1909

Ortiz Echagüe. Moro del Rif 2, 1909

José Ortiz Echagüe (1886 − 1980) comenzó a realizar fotografías hacia 1898. En 1903 ingresó en la Academia de Ingenieros Militares de Guadalajara y tras ello sirvió en la Guerra del Norte de África. Obtuvo los carnés de Piloto de globos y de aviación en 1911. Empresario relevante, en 1923 regresó a España y fundó Construcciones Aeronáuticas. En 1950 creó Seat, la primera industria española de fabricación de automóviles en cadena. Abandonó la fotografía tras perder la vista a los 87 años.

Texto e imágenes : PHE14

© José Ortiz De Echagüe, Fondo Fotográfico Universidad de Navarra. Fundación Universitaria de Navarra, VEGAP, Madrid, 2014
Ortiz Echagüe Rifeña 2, 1910

Ortiz Echagüe Rifeña 2, 1910

José Ortiz Echagüe. Norte de África
Una amplia selección de retratos, paisajes y arquitecturas fotografiados por Ortiz Echagüe durante sus viajes a Marruecos

5 junio – 27 julio

Calcografía Nacional. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

Comisario: Javier Ortiz Echagüe
Organizan: Calcografía Nacional, Universidad de Navarra y PHotoEspaña

Alcalá, 13
28014 Madrid

 

 

 

 

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Marruecos, por Mariano Bertuchi

Foto dell pintor Mariano Bertuchi y su mujer vestidos a la manera árabe, en la Alhambra s/1900

Foto dell pintor Mariano Bertuchi y su mujer vestidos a la manera árabe, en la Alhambra s/1900. Foto wiki

Mariano Bertuchi Nieto (Granada 1885-Tetuán 1955), es considerado el pintor oficial de España en el Protectorado del Marruecos español—ejerció cargos oficiales y su visión de Marruecos tendría una gran difusión.

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La pintura de Bertuchi, sus ilustraciones para revistas y libros, sus carteles de turismo y su famosa serie de sellos de temática marroquí, conformaron, en gran medida, la visión que del Marruecos colonial se forjó la sociedad española desde los años 1930 hasta bien entrados los 1960.
Transformó la visión tradicional que teníamos los españoles de Marruecos, rompiendo con atávicos tópicos negativos, en favor de una imagen próxima y real.

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Bertuchi no se limitó sólo a ser un pintor de Marruecos, sino que intervino en el proceso de colonización español ejerciendo cargos en la administración colonial relacionados con el arte: inspector jefe de los Servicios de Bellas Artes en el Protectorado y profesor de la Escuela de Bellas Artes de Tetuán. Además, creó y dirigió la Escuela de Artes y Oficios Marroquíes de Tetuán, así como el Museo de la misma ciudad, dedicándose también al urbanismo y a la restauración de edificios, con un gran respeto hacia el entorno artístico tradicional tetuaní. 

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Así, a pesar de su entusiasmo y amor por el mundo marroquí, no duda, a través de sus obras, en ensalzar las gestas militares de la conquista y colonización española, «indicándonos la asunción de su papel dentro del proceso colonial». Desde este punto de vista, su relación con Marruecos guardaría ciertas semejanzas con la que tuvo el escritor Rudyard Kipling con la India británica, a la que tanto amó y dedicó tantas obras suyas pero sin dejar nunca de sentirse profundamente inglés.

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Su pintura, “desmitifica completamente las narraciones exóticas o las fantasías orientales románticas, destruyendo, además, los tópicos vulgares. Sus moros no inspiran misterio, ni hondas preocupaciones, sino que representan un Magreb plácido y humano, de espíritu abierto y menos complicado y obscuro” *

*Capelástegui, M.Pilar.  El tema marroquí en la pintura española (1860-1926) Madrid 1985
Resumen  de  La visión de Marruecos a través de la pintura orientalista española. Enrique Arias Anglés
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El Jardín del Tarot de Niki de Saint Phalle

Niki de Saint Phalle fotografiada por Dennis Hopper

Niki de Saint Phalle fotografiada por Dennis Hopper

El Jardin del Tarot de la artista franco-estadounidense Niki de Saint Phalle (1930-2002)

Foto damienlachas.com

Foto damienlachas.com

El Jardín está situado cerca de la costa en el sur de la provincia italiana de Toscana, cerca de la ciudad de Capalbio. Un jardín de mosaico en una escala monumental. El trabajo en el jardín se inició en 1979 y la parte principal de la obra se llevó a cabo en la década de 1980, se abrió oficialmente al público en mayo de 1998. Se trata de 22 esculturas monumentales, basadas en los 22 arcanos del Juego del Tarot — inmersas en un jardín mediterráneo.

En una visita que hizo a Barcelona en los años 50, a los 25 años de edad, Niki quedó

impresionada por el Parc Güell de Antoni Gaudí. Desde ese flechazo, persiguió el deseo y el objetivo de crear un jardín de paz y alegría, un “lugar de encuentro entre el hombre y la naturaleza”. Al final, pudo hacer realidad uno de sus sueños de juventud.

El marido de la artista, el escultor Jean Tinguely intervino en las estructuras. 

Foto: damienlachas.com

Foto: damienlachas.com

En este enlace está toda la información del jardín y de Niki.
http://www.nikidesaintphalle.com

Niki de St Phalle con Jean Tinguely

Niki de St Phalle con Jean Tinguely

Fotos: D.R. Creative Commons

 

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Guernica (1937)

«¿Qué cree usted que es un artista? ¿Un imbécil que sólo tiene ojos si es pintor, oídos si es músico o una lira que ocupa todo su corazón si es poeta? Bien al contrario, es un ser político, constantemente consciente de los acontecimientos estremecedores, airados o afortunados a los que responde de todas maneras. No, la pintura no se hace para decorar pisos» (Picasso, a un periodista, tras la IIGM)

Guernica (1937)

Guernica (1937) Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

En el 77 Aniversario del bombardeo de Guernica.

El 26 de abril de 1937, aviones nazis con el apoyo del dictador Franco bombardearon el pequeño pueblo vasco de Guernica, dejando numerosas víctimas y daños materiales. Este cruel  ataque fue representado por Pablo Picasso en su óleo Guernica. El cuadro fue un encargo de la República para la Expo de París y allí se vio, por primera vez, en julio de 1937. Luego viajó a Oslo, Copenhague, Estocolmo, Gotemburgo, Londres, Leeds, Liverpool y Manchester. En 1940 la obra es despositada en el MoMA de Nueva York, donde permaneció hasta la muerte del dictador Franco. Picasso no quería que su obra estuviera en España gobernada por el fascismo. Muerto el dictador, en 1981 el cuadro fue trasladado a Madrid y quedó instalado en el Centro de Arte Reina Sofía.

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Colores de India (1)

 

 

 

 

Bhārat Mātā

BVB London. Dayanita Singh 2000. ©Dayanita Singh

BVB London. Dayanita Singh 2000. ©Dayanita Singh

Bindi, el tercer ojo

Barthi Kher, artista de Delhi que utiliza los bindis desde 1999.

Barthi Kher, mujer artista de Delhi que utiliza los bindis desde 1999.

Bollywood

Aisha Aishwakarya Ray, actriz.© Grazia Neri. Composición gráfica por Giovanni Gastel

Aisha Aishwakarya Ray, actriz.© Grazia Neri. Composición gráfica por Giovanni Gastel

Ganesh

Procesión de Ganesh dios con cabeza de elefante ©AFP/Grazia Neri

Procesión de Ganesh dios con cabeza de elefante ©AFP/Grazia Neri

Oriente y Occidente

Gayatri Devi (1919-2009), tercera majarani de Jaipur desde 1940 a 1970

Gayatri Devi (1919-2009), tercera majarani de Jaipur desde 1940 a 1970

La ofrenda a los dioses

Foto Frédérick Soltan ©Corbis

Foto Frédérick Soltan ©Corbis

Tantra

Khajuraho. Foto Raghu Rai ©Raghu Rai/Magnum Photos/Contrasto

Khajuraho. Foto Raghu Rai ©Raghu Rai/Magnum Photos/Contrasto

Esperando el monzón

Rajasthan, 1983 Dust Storm. Foto Steve McCurry © Magnum Photos/Contrasto

Rajasthan, 1983 Dust Storm. Foto Steve McCurry © Magnum Photos/Contrasto

Mahatma

Amma en su 56 aniversario, 2009. Foto http://www.amritapuri.org/5688/pada-puja.aum

Amma en su 56 aniversario, 2009. Foto http://www.amritapuri.org/5688/pada-puja.aum


(Fotos reproducidas del catálogo num 18 de Cartier “Couleurs de l’Inde, excepto la de Amma)
Por favor si utilizan alguna foto, mencionen créditos. Gracias
Fotos: DR
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Visions of the Alhambra – Álvaro Siza

Visions of the Alhambra - Álvaro Siza + Juan Domingo Santos

El proyecto “New Gate” de los arquitectos Álvaro Siza (Oporto, 1933) y  Juan Domingo Santos (Granada, 1961), ganadores del concurso para la realización de un nuevo centro de visitantes para el recinto de la Alhambra, es el objeto de la exposición Visions of Alhambra en “Aedes Architecture Forum” de Berlín. 

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Del 22 de marzo al 8 de mayo

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Tras su paso por Berlín, la exposición se presentará en el Museo de Diseño Vitra en Weil am Rhein del 13 de junio al 31 de agosto y  en la primavera de 2015, llegará a Granada, instalándose en el Conjunto Monumental de la Alhambra y Generalife.

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Fotos: Álvaro Siza Vieira + Juan Domingo Santos, Antonio Choupina

© Aedes Architecture Forum Berlin y Patronato de la Alhambra y Generalife

New Gate de Alvaro Siza + Juan Domingo Santos

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Octavio Paz en India

En el centenario de Octavio Paz, uno de los más influyentes escritores del siglo XX y uno de los más grandes poetas hispanos de todos los tiempos.

Octavio Paz en el jardín de la Embajada de México, Nueva Delhi, 1964

Octavio Paz en el jardín de la Embajada de México, Nueva Delhi, 1964. Foto: Revista de la Univ de México

Octavio Paz y Marie José Paz en Alwar, India, 1965 Foto Revista de la Univ. de México

Octavio Paz y Marie José Paz en Alwar, India, 1965 Foto Revista de la Univ. de México

Octavio Paz fue designado embajador de India, Afganistán y Ceilán (Sri Lanka). En 1968, estaba en Nueva Delhi —año en que tuvo lugar la masacre de Tlatelolco, el 2 de octubre—. En señal de protesta contra estos lamentables sucesos, (que empañaron la celebración de los Juegos Olímpicos), renunció a su cargo de embajador. Los viajes anteriores y posteriores a su estancia de siete años en la tierra del Ramayana, le dejaron una profunda huella. India se introdujo en sus textos: Ladera Este (1962-1968), Hacia el comienzo (1964-1968), Blanco (1966), y El mono gramático (1970), este último escrito después de su renuncia al servicio diplomático como protesta por la matanza de Tlatelolco.

Octavio Paz con Indira Gandhi, Nueva Delhi, 1967. Imagen tomada del libro: Escritores en la Diplomacia mexicana, tomo I, México, Secretaría de Relaciones Exteriores, 1998, p. 338.

Octavio Paz con Indira Gandhi, Nueva Delhi, 1967.
Imagen tomada del libro: Escritores en la Diplomacia mexicana, tomo I, México, Secretaría de Relaciones Exteriores, 1998, p. 338.

En el jardín de la embajada de Nueva Delhi Lucy e Yves Boouneloy, Octavio Paz, Aurora y Julio Cortázar, 1968. Imagen tomada del libro: Escritores en la Diplomacia mexicana, tomo I, México, Secretaría de Relaciones Exteriores, 1998, p. 340.

En el jardín de la embajada de Nueva Delhi Lucy e Yves Boouneloy, Octavio Paz, Aurora y Julio Cortázar, 1968. Imagen tomada del libro: Escritores en la Diplomacia mexicana, tomo I, México, Secretaría de Relaciones Exteriores, 1998, p. 340.

 

Un dato que afecta a la memoria histórica española, es que Octavio Paz visitó la India por primera vez en 1951. En ese momento ocupaba el cargo de Tercer Secretario en la embajada de México en París, desde donde contemplaba el último respiro del surrealismo. Al parecer, a sugerencia del director de la UNESCO, Jaime Torres Bodet —quien estaba en desacuerdo con la participación de Paz en un acto conmemorativo de la Guerra Civil española—, fue trasladado a la recién creada República de la India. (Octavio Paz. La India como un palimpsesto)

Octavio Paz en Kasauli, India, 1968 Foto Revista de la Univ de México

Octavio Paz en Kasauli, India, 1968 Foto Revista de la Univ de México

De los libros de Octavio Paz inspirados en su etapa india, he escogido  El mono gramático. Lo hojeo a menudo, y lo subrayo. Sobre él, Paz comentó: “Este tratado mío se llama El mono gramático. No es un ensayo pero tampoco es una novela ni un cuento. Es un texto de cien páginas en el cual la novela se disuelve y se transforma en reflexión sobre el lenguaje; la reflexión sobre el lenguaje se transforma en experiencia erótica y ésta en relato” (Sólo a dos voces, conversación de Paz con Julián Ríos, Lumen, 1973).

La primera edición fue en versión francesa, en 1972, en la colección Les Sentiers de la Création; se editó en castellano por primera vez en 1974 (Seix Barral). Se puede leer en la solapa del libro el leitmotiv de Octavio Paz: “Al escribir estas páginas decidí seguir literalmente la metáfora del título de la colección a que estaban destinados: los Caminos de la Creación, y escribir (trazar) un texto que fuese efectivamente un camino y que pudiese ser leído (recorrido) como tal. El camino que escogí fue el de Galta, un poblado en ruinas en las cercanías de Jaipur, en Rajastán. A medida que escribía, el camino de Galta se borraba o yo me perdía en sus vericuetos. Una y otra vez tenía que volver al punto del comienzo. En lugar de avanzar, el texto giraba sobre sí mismo. A cada vuelta el texto se desdoblaba en otro, a un tiempo su traducción y su transposición: una espiral de repeticiones y de reiteraciones que se han resuelto en una negación de la escritura como camino. Me dí cuenta de que mi texto no iba a ninguna parte, salvo al encuentro de sí mismo. Advertí que las repeticiones eran metáforas y las reiteraciones analogías: un sistema de espejos que poco a poco han ido revelando otro texto. En ese texto Hanumân contempla el jardín de Râvana como una página de caligrafía como el harem del mismo Râvana según lo describe el Râmâyana como esta página sobre la que se acumulan las oscilaciones de la arboleda de las hayas que está frente a mi ventana como las sombras de dos amantes proyectadas en el fuego sobre una pared como las manchas del monzón en un muro de un palacete derruido del pueblo abandonado de Galta como el espacio rectangular en que se despliega el oleaje de una multitud contemplada desde los balcones en ruinas por centenares de monos como imagen de la escritura y la lectura como metáfora del camino y la peregrinación al santuario como disolución final del camino y convergencia de todos los textos en este párrafo como metáfora del abrazo de los cuerpos. Analogía: transparencia universal: en esto ver aquello.”

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Luis Barragán por Octavio Paz

“La arquitectura de Luis Barragán viene de los pueblos mexicanos, con sus calles limitadas por altos muros que desembocan en plazas con fuentes. En la arquitectura popular mexicana se funde la tradición india precolombina con la tradición mediterránea. Para ser modernos de verdad tenemos antes que reconciliarnos con nuestra tradición.”

Casa Barragan 1948. Patrimonio Mundial de la Unesco desde 2004

Casa Barragan 1948. Patrimonio Mundial de la Unesco desde 2004

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“Durante la última semana las páginas y las secciones culturales de nuestros diarios y revistas rebosaron, por decirlo así, con las efervescentes declaraciones de los participantes en un encuentro de escritores más notable por sus ausencias que por sus presencias. Estos mismos días, en páginas interiores, casi de una manera vergonzante, salvo en un caso o dos, se anunció al público mexicano que a un compatriota nuestro, el arquitecto Luis Barragán, se le había otorgado el Premio Pritzker de Arquitectura. Este premio es una consagración mundial pues es el equivalente del Premio Nobel. Luis Barragán es el primer mexicano que obtiene una distinción internacional de esta importancia.Barragán ¿Cómo explicar la reserva, rayana en la indiferencia, con que han recibido esta noticia los mundos y mundillos culturales de México, para no hablar del increíble silencio del Instituto Nacional de Bellas Artes? Esta actitud se debe, probablemente, a la influencia de la ideología y la política. Barragán es un artista silencioso y solitario, que ha vivido lejos de los bandos ideológicos y de la superstición del «arte comprometido». Lección moral y estética sobre la que deberían reflexionar los artistas y los escritores: las obras quedan, las declaraciones se desvanecen, son humo. Las ideologías van y vienen pero los poemas, los templos, las sonatas y las novelas permanecen. Reducir el arte a la actualidad ideológica y política es condenarlo a la vida precaria de las moscas y los moscardones. El arte de Barragán es moderno pero no es modernista, es universal pero no es un reflejo de Nueva York o de Milán. Barragán ha construido casas y edificios que nos seducen por sus proporciones nobles y por su geometría serena; no menos hermosa –y más benéfica socialmente– es su «arquitectura exterior», como él llama a las calles, muros, plazas, fuentes y jardines que ha trazado. La función social de estos conjuntos no está reñida con su finalidad espiritual. Los hombres modernos vivimos aislados y necesitamos reconstruir nuestra comunidad, rehacer los lazos que nos unen a nuestros semejantes; al mismo tiempo, debemos recobrar el viejo arte de saber quedarnos solos, el arte del recogimiento. Las plazas y arboledas de Barragán responden a esta doble necesidad: son lugares de encuentro y son sitios de apartamiento.

barragan2 Barragán dijo una vez que su arquitectura estaba inspirada por dos palabras: la palabra magia y la palabra sorpresa. Y agregó: «se trata de encontrar sorpresas al caminar por cualquier calle y al llegar a cualquier plaza». Las raíces de su arte son tradicionales y populares. Su modelo no es ni el palacio ni el rascacielos. Su arquitectura viene de los pueblos mexicanos, con sus calles limitadas por altos muros que desembocan en plazas con fuentes. En la arquitectura popular mexicana se funde la tradición india precolombina con la tradición mediterránea. Las formas son cúbicas, los materiales son los que se encuentran en la localidad y los muros están pintados con vivos colores –rojos, ocres, azules– a diferencia de los pueblos mediterráneos y moriscos que son blancos. El arte de Barragán es un ejemplo del uso inteligente de nuestra tradición popular. Algo semejante han hecho algunos poetas, novelistas y pintores contemporáneos. Nuestros políticos y educadores deberían inspirarse en ellos: nuestra incipiente democracia debe y puede alimentarse de las formas de convivencia y solidaridad vivas todavía en nuestro pueblo. Estas formas son un legado político y moral que debemos actualizar y adaptar a las condiciones de la vida moderna. Para ser modernos de verdad tenemos antes que reconciliarnos con nuestra tradición.”

                                                                                    Octavio Paz, Vuelta (1980)

 Fuente: http://www.edder.org

Casa de Luis Barragán

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Callejeando en frío. Madrid Centro

Inauguraciones de arte en Lavapiés

Txomin Badiola. Capitalismo anal Capitalism. Galería Moisés Pérez de Albéniz

Txomin Badiola. Capitalismo anal Capitalism. Galería Moisés Pérez de Albéniz

Txomin Badiola. Capitalismo anal Capitalism. Galería Moisés Pérez de Albéniz

Txomin Badiola. Capitalismo anal Capitalism. Galería Moisés Pérez de Albéniz

Joaquín Segura. Estado de excepción. Galería Espacio Mínimo

Joaquín Segura. Estado de excepción. Galería Espacio Mínimo

Joaquín Segura

Joaquín Segura. Estado de excepción. Galería Espacio Mínimo

Joaquín Segura. Estado de excepción. Galería Espacio Mínimo

Adrian Sauer. Looking at the window. Galería Helga de Alvear

Adrian Sauer. Looking at the window. Galería Helga de Alvear

Bleda y Rosa. Prontuario. Notas en torno a la Guerra y la Revolución. Galería Fúcares

Bleda y Rosa. Prontuario. Notas en torno a la Guerra y la Revolución. Galería Fúcares

Bleda y Rosa. Prontuario. Notas en torno a la Guerra y la Revolución. Galería Fúcares

Bleda y Rosa. Prontuario. Notas en torno a la Guerra y la Revolución. Galería Fúcares

Bleda y Rosa. Prontuario. Notas en torno a la Guerra y la Revolución

Bleda y Rosa. Prontuario. Notas en torno a la Guerra y la Revolución. Galería Fúcares

Jorge Diezma. La sombra del plátano sobre el plátano cae. Galería Alegría

Jorge Diezma. La sombra del plátano sobre el plátano cae. Galería Alegría

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