El MOMA ha programado la primera retrospectiva de Willem de Kooning (hasta el 9 de enero de 2012). La exposición, abarca la obra del artista durante casi siete décadas. Se exponen unas 200 obras procedentes de colecciones públicas y privadas. Esta retrospectiva incluye pinturas, esculturas, dibujos grabados.
Intentar comprender su trayectoria de manera esquemática es una tarea complicada, por eso se agradece la elaborada web site del MOMA, donde se contempla de un vistazo las distintas etapas, temas, métodos de trabajo, materiales…
Willem de Kooning en el MOMA
De la serie Woman. 1949-50 (Óleo s/lienzo, 162,9 x 1156,8 cm)
Weekend at Mr. and Mrs. Krisher. 1970. Litografía (128,9 x 97,5 cm)
Pirate (Untitled II). 1982. Óleo s/lienzo (223 x 194,4 cm)
Tipografía
Tendencia
Hoefler & Frere-Jones
Jonathan Hoefler y Frere-Jones son conocidos internacionalmente en el ámbito del diseño gráfico por sus excelentes trabajos sobre tipografía (The NY Times, Rolling Stone, Harper’s Bazaar, campaña de Obama, Guggenheim… )
Pinchen este enlace donde puede apreciarse sus creaciones tipográficas
http://www.typography.com/
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Conferencia
El diseño tipográfico, un arma cargada
de futuro
Reproduzco algunas notas sobre una conferencia que dí en el año 1998 en el Club Internacional de Prensa en Santiago de Compostela a los alumnos de Periodismo.
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La revista o magazine es un invento del siglo XIX, el siglo que vio el desarrollo de la prensa gracias a los inventos técnicos que permitieron avanzar espectacularmente a la industria de la impresión en velocidad y calidad. Desde la primera revista en 1832 (la Penny Magazine) el éxito fue descomunal.
En la actualidad, este formato de publicación está fuertemente arraigado y es un reflejo extraordinario de los acontecimientos, actualidad, modas, acting, ideas. Es, por su periodicidad, un formato realmente atractivo tanto para los que la hacen como para el que las consume. Todos nos alimentamos de revistas, y hay tantas revistas como grupos sociales con intereses comunes especializados.
La aparición y desarrollo de la teconología digital en el campo del diseño editorial ha supuesto un hito en la manera de trabajar de los diseñadores. En el pasado los tipógrafos necesitaban planchas de metal, las maquetas se hacían con ayuda de tipómetro, galeradas de texto, escuadras y cartabones… hoy en día solo necesitamos un ordenador, un escaner… y talento libre. Los diseñadores tienen la capacidad para crear libremente, y esto revierte en un resurgimiento del grafismo y del diseño gráfico en general.
Ante la creciente importancia de la revistas en los circuitos de prensa escrita, se ha producido una “deconstrucción”, (a la izquierda, un ejemplo del trabajo de David Carson) para decirlo en otras palabras, hay una crisis que ha producido diferentes cambios formales y de contenido en gran número de revistas y periódicos, que intentan buscar otras maneras más atractivas para llegar a un público (que también está en crisis y que pide algo más que lo que las viejas fórmulas de expresión les ofrece). Y aún estamos inmersos en esa “deconstrucción”; en esta situación el diseñador gráfico toma una destacada posición. Una vez que las aguas vuelvan a su cauce, el panorama será otro. ¿Y con qué tipo de diseño nos vamos a encontrar, o nos estamos encontrando ya? ¿Qué indicios hay que nos hagan pensar que se está produciendo un cambio a la hora de comunicar?
Desde las cajas de metal a los fototipos en 1960 (Letraset), el tratamiento de texto se ha ido transformando. Y ahora con el uso del ordenador, los cambios han sido increíblemente profundos en el aspecto de los caracteres. La autoedición nos permite la capacidad de juego con lo textual; así el diseñador gráfico ahora es dueño del proceso, obteniendo efectos visuales insospechados que pueden mejorar –o no– la lectura del texto. Las formas clásicas de letras pueden deformarse ‘libremente’ a partir de sus diseños originales. Conviene recordar que la función de una tipografía consiste en facilitar la lectura y dar énfasis a los textos, cuando esto sea necesario. La tipografía es vehículo de información, y debe estar al servicio de los contenidos, y no al revés.
Una estrella de la tipografía, Jonathan Hoefler que entre otros trabajos ha diseñado los tipos para The New York Times, Rolling Stone y Sports Illustrated, así como la fuente HTF Didot para el Harpers Bazaar, dice que “Un buen tipo puede llegar a ser invisible”. En un artículo de la revista Wallpaper, habla del interés de las nuevas generaciones de diseñadores hacia las tipografías clásicas, y él augura un renacimiento por este motivo.
El juego tipográfico puede llegar a convertirse en un reclamo más de la revista. Valga como ejemplo, la mítica revista Rolling Stone, que nació a principios de los 70 y emplea el ordenador de una manera muy creativa para crear tipografías e imágenes expresando e interpretando. El ordenador es utilizado como fuente de inspiración y forma de exploración, utilizando una serie de tipos clásicos y con otros inventados. Cada cubierta y artículo de apertura responde tipográfica y pictóricamente a un contenido alegre y fuerte, llevando al lector a un terreno lúdico de cultura y música. En este caso, la tipografía no solo aporta información, también contribuye a ampliar el contenido. Otro de los aspectos a tener en cuenta es el de la saturación de revistas en el mercado, lo que ha provocado una competencia feroz entre aquellas que ocupan el mismo espacio.
Ante esto el diseñador debe ser consciente de su lucha contra la contaminación visual, y jugar con los blancos y con un buena estructura interna de las páginas. Cuanto más claramente establezca su trabajo, más interés toman los contenidos y más claramente se desarrollará el proyecto visual. Este sistema de trabajo ayudará a conceptualizar más el trabajo, dotándolo de una cierta funcionalidad, necesaria cuando existe tanta saturación visual.
Y por último, hablar de un aspecto que me parece fundamental a la hora de crear diseños de revistas: la capacidad de transmitir emociones. Una revista debe ser creible, debe tener feeling, que conecte con el lector y con lo que él espera obtener de esa publicación, debe tener información fresca y tener capacidad de despertar en los lectores el interés para actuar en ideas y cuestiones. Lograr este contacto con el lector me parece el gran objetivo de un diseño que pudiera llamarse del siglo XXI.
Aldo Rossi, arquitectura efímera
Aldo Rossi pensador de las ciudades
En el 14 aniversario de su muerte
Aldo Rossi (Milán, 3 may. 1931 – 4 sept. 1997) premio Pritzker 1990 de arquitectura, es considerado como un arquitecto racionalista. Su libro La arquitectura de la ciudad (1966) influyó en las nuevas generaciones de arquitectos y en el movimiento posmoderno. Su trabajo destaca por su rigor y por la simplicidad, veneraba a Palladio reivindicando que «a través de su obra la arquitectura griega se reconstruyó en Venecia y más tarde en el mundo entero». Muchos de sus proyectos no han sido realizados y algunas de sus construcciones han sido efímeras.
Teatro del Mundo de Venecia
Aldo Rossi recibió el encargo de construir para la Bienal de Venecia de 1979 un teatro efímero, para la exposición Venecia y el espacio escénico. La idea de la bienal fue la de recordar aquellos teatros flotantes que se transportaban por mar, característicos del siglo XVIII veneciano. 
Su altura total es de 25 metros. La estructura es de tubo de hierro, revestida de madera (interior y exterior). La capacidad óptima es de 250 personas. El cuerpo principal está formado por un paralelepípedo cuadrado bajo de 9,5 m. de lado con una altura de 11 m. En la cúspide remata un tambor octogonal, cuyo techo es de cinc. Por dentro el escenario se colocó en el centro, el público se ubica a los lados sobre dos tribunas ó en las galerías situadas en los pisos superiores a los que se accede a través de las escaleras que están colocadas a los lados del paralelepípedo. Debido a la ordenación de las ventanas, la vieja ciudad más teatral siempre queda como telón de fondo. La torre está coronada con una esfera metálica. Fue construido en unos astilleros de Venecia, lo transportaron a remolque de un barco y quedó instalado en medio del agua.

Cuando concluyeron las demostraciones de la Bienal, el teatro cruzó el mar Adriático y se instaló en Dubrovnik. En 1981 fue desmantelado. En el año 2004 fue reconstruido en Génova como una de las instalaciones de las celebraciones de “Génova capital europea de la cultura”. En el año 2010 La Bienal le dedica una muestra y queda definitivamente instalado en Venecia. Hoy forma parte del perfil de dicha ciudad.
He encontrado un video de la BiennaleChanel perteneciente al homenaje que se hizo al arquitecto y a su Teatro:
«¿Por qué la obra de Rossi es la más conmovedora de las que se crean en nuestros días? ¿Será que Rossi es el mejor arquitecto-pintor de las últimas décadas?… Lugares, ahí esta la clave. Rossi crea lugares, piazzas, escenarios para la vida, todo ellos iluminados por una metafísica luz itialiana, como en el Teatro del Mundo…» (Vincent Scully, Aldo Rossi, Obras y proyectos, ed. GG, Barcelona, 1985)
… «Y de los restos que quedan en la arquitectura antigua, en ningún modo nos resultan tan comprensibles como en el sol y en el viento que bate la costa griega» (Aldo Rossi)
En España tenemos un proyecto realizado por él junto con César Portela: el Museo del Mar en Vigo, y otro proyecto que nunca se realizó para la ciudad de Sevilla (ampliación del edificio El Corral del Conde).
Sobre Ellsworth Kelly
Dos (nuevos) libros sobre Ellsworth Kelly
Portada del libro editado por el fotógrafo de moda Hedi Slimane, abril 2011
Ver fotos:
http://www.hedislimane.com/portraitdiary/index.php?portraitdiarySpeHomeNo=11
Ellsworth Kelly (Newburgh, 1923) pintor y escultor estadounidense, puede que sea el americano más europeo, aunque su obra sobrepasa toda categoría temática. Reconocido como uno de los artistas que más rigurosamente ha desarrollado la geometría, el color y el monotipo, a menudo se le ha relacionado con el movimiento Hard Edge, el Minimal e incluso con Yves Klein. Sin embargo, éstas son afinidades ilusorias. Las formas esenciales de los registros de Kelly provienen del mundo real, se interesa por las deformaciones visuales debidas a la luz o la sombra, y analiza la naturaleza de las cosas en sus dibujos previos, acuarelas y fotografías.
Siempre me ha fascinado su metodología de trabajo. Él la explica aquí:
«Comienzo por un dibujo, que suele ser una interpretación de lo que veo. Procuro que sea un dibujo bien definido, porque tengo que decidir las dimensiones, la escala del dibujo en el cuadro antes de encargar el bastidor. Para llegar a ello, tengo el dibujo en vertical muy cerca de la cara, cierro un ojo, de tal manera que el dibujo invade todo mi campo de visión. A continuación, retiro progresivamente mi mano y voy alejando el dibujo, para observar el dibujo en pequeño. Juego con la escala… Mis obras no son nunca gigantescas, ni predeterminadas… (Entrevista de Ann Hindry en Paris, 1992)
Nos recuerda que conquistar el espacio sigue siendo una cuestión de escala, medida, proporción y percepción visual.
Rejilla, Tinta s/papel, 1951. MOMA, Nueva York
Green curves, 203,2 x 174,3 cm 1997 MOMA, Nueva York.
White curves, Aluminio recubierto de poliurteano. 2001 Foto: Nigi Bräunurg, Basel
En los dibujos y acuarelas, podemos ver al Kelly más personal. Podemos disfrutar viendo las influencias del gran Matisse. Kelly vivió en París en en su época de formación desde 1948 hasta 1954, le interesó el arte clásico, la Escuela de París, sobre todo Matisse y Picasso. Y viendo sus acuarelas y dibujos de plantas, flores, hojas, nos encontramos con el artista clásico que es Kelly, de extraordinaria delicadeza.

Textos de Michael Semff, Munich, y Marla Prather, Nueva York)
La cubierta en tapa dura reproduce la acuarela Maiz (1959) 72,5 x 57 cm.
Edición: diciembre, 2011.
La edición de Plant Drawings coincide con una expo que en el próximo otoño se inaugurará en el Gräphische Sammlung en Munich, y en la primavera de 2012 viajará al Metropolitan Museum de Nueva York.
He aquí una muestra de su línea, pureza, economía y síntesis: resonancias platónicas.
Entrevista a Kelly a sus 85 años (en junio de 2008, ahora tiene 89 años) en Art 39 Basel.
Ciudad Jardin
1984 Ciudad Jardin Falso
Diseño: Nieves Córcoles
Fotos: Julio Moya
http://es.wikipedia.org/wiki/Ciudad_Jardín_(banda)
1985 Auténtico
Diseño: Nieves Córcoles
Fotos: Julio Moya
Constructivismo ruso
Recojo la noticia de ABC sobre la exposición Los años heroicos de la arquitectura soviética
Recojo también el primer párrafo que hoyesarte.com publica sobre el evento:
«Por primera vez en España, CaixaForum Barcelona descubre la arquitectura y el arte de la vanguardia soviética de los años veinte y treinta del siglo XX. La exposición Construir la Revolución. Arte y arquitectura en Rusia, 1915-1935 aborda desde hoy uno de los períodos más excepcionales de la historia de la arquitectura, el que va desde los años previos a la Revolución de Octubre hasta la fundación de la URSS. Los artistas plásticos y arquitectos se unen bajo la causa bolchevique para crear, a través del arte y la arquitectura, una nueva sociedad basada en las ideas socialistas.»
Cy Twombly fotógrafo

Ha muerto el artista Cy Twombly, un pintor al que, en mi obsesión por conocer la obra de los más jóvenes le tenía injustamente relegado.
Su obra fotográfica es de una belleza indescriptible: hay que verla para sentir…
http://www.schirmer-mosel.de/homed1/pdf/Showroom_Twombly4_photographs.pdf
http://www.publico.es/culturas/386318/el-testamento-artistico-de-cy-twombly







![obama_comp[1]](https://nievescorcoles.com/wp-content/uploads/2011/10/obama_comp1.jpg?w=640)




















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