Así es como lo denominan los presentadores de la exposición “Del cálculo numérico a la creatividad abierta”, recientemente instalada en el C Arte C, uno de los espacios modulares del edificio del Museo del Traje de Madrid
Del encuentro entre artístas y científicos españoles en una época gris y monótona, surgió el origen —las señas de identidad— del arte computacional. La muestra nos acerca a la experiencia de estos pioneros españoles, que investigaron el desarrollo del lenguaje cibernético con gran fortuna, por cierto.
Dice el Comisario de la exposición Aramis López, «en aquellos años (finales de los 60-años 70) se generaron estéticas computacionales, teorías sobre las comunicaciones, sistemas de información y muchas otras formas de conocimiento que se están desarrollando en el siglo XXI»
Y el desarrollo de este proyecto fue gracias a la creación del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid
Imagen DR
Este emblemático edificio (1967), ejemplo de sobriedad y racionalismo, es el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, fundado por un acuerdo entre la Universidad e IBM en Enero del 66. Miguel Fisac (1913-2006, Premio Nacional de Arquitectura en 2003) fue el arquitecto que se encargó de diseñar este edificio.
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El comisario de la muestra, Aramis López Juan considera que “…parte de el patrimonio generado en el Centro de Cálculo fue inmaterial, pero no por ello de menor valor. A partir de las actividades del Centro se generaron muchas y muy variadas líneas de investigación. Se introdujo por primera vez en España el estudio de las gramáticas generativas lo que significó un gran avance en la formulación tanto de lenguajes naturales como artificiales y las relaciones entre ellos”.
Y aquí van algunas fotos que he hecho en el recorrido de la exposición.
Imágenes de Nieves Córcoles. Por favor citen procedencia. Gracias
Miguel Fisac, Lugan, José María Yturralde, Javier Seguí, Gerardo Rueda, José Luis Alexanco, Eusebio Sempere, Lely Grennham, Manuel Barbadillo, Luis Gómez Perales, Ignacio Gómez de Liaño (filósofo), Ana Buenaventura o la ganadora del Premio Nacional de Artes Plásticas 2011, Elena Asins….
Exposición organizada por la Universidad Complutense de Madrid con la colaboración de la Universidad de Pública de Navarra, la Universidad de Alicante, la Universidad Politécnica de Valencia y AC/E (Acción Cultural Española).
EL ORIGEN Con motivo del V Centenario, —entre 1990 y 1992— el fotógrafo Manuel Falces lideró el proyecto Imagina. Se trataba de que artistas de prestigio internacional viajaran hasta Almería para exponer sus fotografías y, a la vez, realizaran una producción fotográfica en distintos lugares de la provincia almeriense. Con las 456 fotografías se hizo una exposición y se editó un catálogo.
Participaron Bernad Plossu (Vietnam), Cristina García Rodero (España), Max Pam (Australia), Ferdinand Scianna (Italia), Henri Cartier Bresson (Francia), Françoise Núñez (Francia), Martin Parr (Gran Bretaña), Terry Braunstein (EE.UU.), John Vink (Bélgica), Arno Fischer (Alemania), Ouka Lele (España) Claude Norí (Francia), Mimmo Jodice (Italia), Krzysztof Pruszkowski (Polonia), Martine Frank (Bélgica), Max Pam (Australia), René Burrí (Italia), Evgen Bavcar (Eslovenia), Douglas Keats (EE.UU.), Jorge Rueda (España), Abbas (Irán), MichelSzulc–Krzyzanowski (Holanda), Ilan Wolff (Israel), Sibylle Bergemann (Alemania), Jordi Guillumet (España), Josep Vicent Monzó (España), Carlos Pérez Siquier (España), Gabriel Cualladó (España), Graciela Iturbide (México), Toni Catany (España), William Klein (EE.UU.), Manuel Falces (España), Roland Laboye (Francia), Sarah Moon (Francia), Jean Larriviere (Francia), Ricardo Martín (España), Miguel Nauguet (España).
Una vez finalizado el V Centenario, la Junta de Andalucía crea el Centro Andaluz de la Fotografía con los valiosos fondos heredados del proyecto Imagina y con el fin de seguir fomentando el interés que había despertado tanto en el ámbito nacional como internacional.
Imagina, proyecto, exposición y catálogo, fue el primer fondo fotográfico del Centro Andaluz de la Fotografía.
El edificio que alberga el CAF (antiguo Liceo de Almería) es un cubo de proporciones equilibradas, de tres plantas: dos de ellas destinadas al uso de exposiciones, biblioteca, oficinas y el sótano, donde se hallan las aulas para talleres (gratuitos), plató, y archivos.
Los fondos del Centro Andaluz de la Fotografía lo componen más de 3000 imágenes de fotografías de autores significativos. Actualmente, se encuentra en proceso de digitalización de sus fondos.
En la planta sótano se encuentran los garajes para almacenar el material fotográfico
El CAF participó en marzo pasado en la Bienal de Lima. Esta participación forma parte de las relaciones que vienen manteniendo los componentes de la Red Internacional de Centros de Fotografía.
En Andalucía, Sorolla descubrió una riqueza sobria y llena de poesía —que se revelaba en los pequeños rincones, en el rumor del agua de una fuente y en sus casas encaladas, bañadas por el lacerante sol. Pero queda subyugado por los patios, y por los jardines islámicos de la Alhambra de Granada y del Alcázar de Sevilla al punto de apropiarse de su estética, para construir el jardín privado de su casa madrileña.
Alberca del Alcázar de Sevilla. 1918.
Óleo sobre lienzo, 71,5 x 52 cm.
El patio de Comares en la Alhambra. 1917
Óleo sobre lienzo 84,5 x 106,5
Patio de los arrayanes. Alhambra de Granada 1917
El Alcázar de Sevilla
Rincon del grutesco del Alcázar de Sevilla
Alberca del Jardín de las Flores. La alberca. Alcázar de Sevilla 1910
Óleo sobre lienzo, 82,5 x 105,5 cm
Reflejos de una fuente. 1908
Óleo sobre lienzo, 58,5 x 99 cm
Calle de Granada. 1910
Óleo sobre lienzo 105 cm x 72 cm
La Torre de los Siete Picos. 1910
Óleo sobre lienzo 81,5 cm x 106 cm
Jardin de su casa. 1920
Óleo sobre lienzo, 82,5 x 105 cm
Dos exposiciones sobre los prerrafaelitas ponen de relieve la vigencia de este movimiento: Prerrafaelitas: Victorian Avant-Garde prevista su inauguración para este otoño en la Tate Britain, e itinerante a Moscú, Tokio y Washington durante el 2013, y la segunda The Cult of Beauty: The Victorian Avant-Garde 1860-1900 actualmente en elMuseo de BBAA de San Francisco (San Francisco’s Legion of Honor) (hasta junio)
Prerrafaelitas: Victorian Avant-Garde
Bajo este título, se anuncia una gran exposiciónpara el próximo otoño sobre los Prerrafaelitas, que abarcará desde obras de pintura, escultura, fotografía de arte, hasta diseños de interior, mobiliario doméstico, ropa de vestir, libros, papeles pintados (artes aplicadas).
Esta exposición nos va a servir para explorar la creatividad no convencional de los movimientos estéticos en Gran Bretaña de finales del siglo XIX . El esteticismo de este movimiento es ahora reconocido como revolucionario, así apuntan las tendencias críticas estudiosas de las relaciones entre el artista y la sociedad, y entre las ‘bellas’ artes y el diseño.No deja de ser un fenómeno sorprendente constatar cómo a partir de las inquietudes artísticas de un pequeño grupo de vanguardia, éste impactó en la sociedad de las clases medias inglesas, y generó un nuevo «estilo de vida».
La Hermandad Prerrafaelita (abreviada PRB en inglés) se inspiró para su movimiento en la pintura del Renacimiento temprano y lo fundaron Dante Gabriel Rossetti,William Holman Hunt y John Everett Millais. Fue el primer movimiento de arte moderno en Gran Bretaña que influyó en todas las disciplinas artísticas y se extendió al campo de la artesanía, gracias a la conexión amistosa e ideológica con el gran William Morris, miembro de Arts&Crafts y fundador de la Kelmcott Press. La Hermandad Prerrafaelita se originó en Londres hacia los inicios del otoño de 1848 y surgió como reacción contra el asfixiante academicismo manierista en una época de grandes cambios sociales.
La historia de este movimiento es apasionante aunque compleja. Es por ello que, recomiendo que consulten la síntesis de wikipedia y lean el magnífico libro William Morris, Arte y artesanía (272 págs., Editorial Langre, 2011).
William Morris con los miembros de la Liga Socialista de Hammersmith. (Morris es el quinto de la segunda fila, empezando por la derecha).
En este libro percibimos «alocuciones dirigidas por el socialista William Morris a artistas y artesanos en general, en un estado de gran preocupación por el derrotero que han seguido las cosas en ese siglo victoriano en el que se ha consolidado la clase media burguesa y el sistema de producción capitalista». La edición de este libro pertenece al profesor Vicente López Folgado, catedrático de Filología Inglesa por la Universidad de Córdoba, y gran apasionado del movimiento ‘Arts & Crafts’
Después de estar alojada en la Tate Britain, (septiembre 2012/enero 2013) esta exposición se trasladará a la National Gallery of Art de Washington, y luego a Moscú y Tokio. Prerrafaelitas: Victorian Avant-Garde ha sido co-comisariada por Tim Barringer (Yale University), Jason Rosenfeld (Universidad de Marymount Manhattan, Nueva York), y Alison Smith (Tate de Londres).
The Cult of Beauty: The Victorian Avant-Garde 1860-1900
Actualmente y hasta el 17 de junio, se puede ver en el Museo de BBAA de San Francisco (San Francisco’s Legion of Honor) la exposición The Cult of Beauty: The Victorian Avant-Garde 1860-1900 otra itinerante sobre el Siglo victoriano que anteriormente se expuso en el Victoria & Albert Museum y en el Museo de Orsay.
Harmony in Gray and Green Miss Cicely Alexander
James McNeill Whistler. Óleo s/lienzo 57 cm x 100 cm
El Palacio de Bellas Artes de Bruselas (Bozar) rinde homenaje a Cy Twombly con una exposición de una colección de grabados en seco—partiendo de las polaroids realizadas por el artista. Me cautiva el trabajo de Cy Twombly, y desde luego me ha sorprendido conocer al Twombly fanático de las polaroids.
Todavía recuerdo aquella magnífica exposición de Cy Twombly en el Museo del Prado, exhibiendo la serie titulada Lepanto, que Twombly realizó para la Bienal de Venecia de 2001 en la que el artista conmemora la histórica batalla, un proyecto en el que rendía homenaje a la pintura clásica europea.
Desde 01.02 al 29.04.2012
Palacio de Bellas Artes de Bruselas (Bozar)
Helen Frankenthaler (Nueva York 1928-Darien 2011) fue la única mujer que perteneció al movimiento vanguardista Color Field (Mark Rothko, Barnett Newman y Clyfford Still). Desarrolló un lenguaje pictórico, con una técnica inspirada en el expresionismo abstracto de Jackson Pollock. (Frankenthaler mezclaba sus colores con trementina o aguarrás para hacer el color más diluido y empapar las telas. La gestualidad característica del «action painting» quedaba disuelta en campos de color, surgiendo así la abstracción lírica, decorativa y exquisita, característica de la pintura de Helen.
Una obra fluida, que inevitablemente desemboca en el pensamiento oriental. Aparte de los grandes formatos sobre tela, es destacable su poética obra sobre papel y madera, así como sus impresiones en litografía y xilografía.
El gran tríptico Madame Butterfly es la última impresión de Frankenthaler en colaboración con Kenneth Tyler, fundador del famoso estudio de Tyler Graphics. La artista y los técnicos de Tyler emplearon la tradicional técnica japonesa ukiyo-e de tallado. 102 colores para imprimir en hojas de papel hecho a mano en exclusiva para esta edición.
«El ojo existe en estado salvaje». Así comienza André Breton su obra «El surrealismo y la pintura» . Max Ernst, Paul Eluard y André Breton a la cabeza, fueron los descubridores de los Kachina y se dedicaron a coleccionar las muñecas que los representan. En el grupo de coleccionistas estaban Duchamp, Tanguy, Emil Nolde, Chagall, André Malraux … El Surrealismo da una importancia capital a los mitos de las civilizaciones antiguas y las artes mágicas, rebelándose contra las fuerzas que se oponen al libre funcionamiento de la imaginación. Encontraron en estas figuras el signo mismo de la creación poética más elevada.
Estas cuatro muñecas Kachina formaron parte de la colección de André Breton
Angwsnasomtaka o Tumas (Madre-Cuervo). Hopi
El kachina que representa esta muñeca suele ser considerado por los hopi como la Madre de todos los kachina. Éste baila sobre todo en la fiesta del Powamu
Raiz de álamo americano, pigmentos, plumas. 26 cm de alto aprox. 1920. Colección privada
Angwsnasomtaka o Tumas (Madre-Cuervo) Zuñi. Madera, pigmentos y crin. 43,5 cm. x 23cm. Colección privada
Palhik Mana
Danza de iniciación femenina que tiene lugar en septiembre para invocar la lluvia. Madera policromada y plumas. 35 cm de alto x 30 cm. ancho. aprox. 1910-1930. Colección privada
Shalako (Pájaro Gigante)
La kachina está en la caja que Breton en los años 60, hizo construir para protegerla
Madera policromada, tejidos, plmas, trozos de cerillas y arena. Caja abierta: 39 xm de alto x 57 cm. de ancho. Cerrada: 42 cm de alto x 20 cm de ancho. Colección privada
André Breton, fotografiado en su casa en 1960. Fotografía de Lavaud
La colección André Breton se dispersó con la subasta en el hotel Drouot entre el 1 y el 18 de abril de 2003 que dio lugar a una venta memorable (47 millones de euros)
Las imágenes son reproducciones del catálogo Kachina. Muñecas rituales indias. Corresponde a las exposición que tuvo lugar en el Museo de América de Madrid en abril de 1998.
El Calendario Hopi
En este enlace se puede consultar las ceremonias Kachina asociadas a la época del año
«La Arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz». Le Corbusier
Arquitecto: Aoki Jun (1956)
Foto: Ano Daici
La inspiración para el diseño arquitectónico del Museo de Arte de Aomori (2006) proviene de la zona de excavación del sitio arqueológico llamado Sannai Maruyama. El suelo bajo el museo fue cortado de forma geométrica, imitando a las trincheras de la zona de excavación. La estructura está cubierta por ladrillos pintados en blanco. Las paredes blancas contrastan con las de tierra.
David Hockney y la ROM (Royal Ontario Museum) nos regalan estas «flores frescas». Cada semana nos podemos descargar una nueva imagen (hasta el 19 de diciembre)
NIEVES CÓRCOLES 
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