Paul Klee, música y pintura

La música hecha imagen

«La música es para mí como un amada embrujada. Fama como pintor? ¿Escritor, autor moderno? Broma pesada. Me quedo sin poder definir mi vocación,  y me paseo» 

Paul Klee (el primero a la derecha) en un quinteto, en el estudio del pintor Heinrich Knirr, 1930

Paul Klee (el primero a la derecha) en un quinteto, en el estudio del pintor Heinrich Knirr, 1930

Quizá el hilo conductor más importante en la obra de Paul Klee fue la música. El hecho de haber sido hijo de músicos (madre suiza y padre alemán, esto último determinante a la hora de obtener la ciudadanía alemana, ya que Suiza se negó a darle ciudadanía durante su exilio en ese país durante la persecución nazi) le marcó profundamente en su trayectoria vital, dado que nunca abandonó la interpretación musical—a los once años de edad, ya tocaba en la Orquesta de Berna; además, en el año 1906, se casó con la pianista Lily Stumpf.

Si las únicas representaciones de Klee se hubieran ceñido al universo musical, habría dado a la iconografía de este tema algunas de sus más brillantes y imaginativas epifanías, pero no hubiera puesto de manifiesto este paralelismo profundo entre la música y la pintura que le preocupaba ya desde el año 1905.

Una parte de su obra se abre a una búsqueda de las estructuras del lenguaje musical, sobre su posibilidad de adaptación a la expresión plástica, con un rigor y una codificación sistemática, que Klee debió ver como proceso necesario para canalizar su desbordante imaginación. La función pedagógica desempeñada por Klee en la Bauhaus—donde se convertirá en profesor en el año 1921— le sirve para profundizar en esta inquietud. Klee entiende la música como un desarrollo en el tiempo, y esto lo aplica a un buen número de obras suyas en las que utiliza una composición longitudinal, a menudo subrayada por líneas paralelas a modo de pentagrama, como si se tratara de partituras musicales.

Escritura. Personajes. 1925. Tinta (pluma) sobre papel montado en cartón. 11,7 x 20,5 cm. Colección Eberhard W.Kornfeld, Berna.

Escritura. Personajes. 1925. Tinta (pluma) sobre papel montado en cartón. 11,7 x 20,5 cm. Colección Eberhard W.Kornfeld, Berna.

Fuga en rojo, 1921. Acuarela sobre Canson. 24,3 x 37,2 cm. Colección privada. Berna

Fuga en rojo, 1921. Acuarela sobre Canson. 24,3 x 37,2 cm. Colección privada. Berna

En ritmo, 1930. Óleo s/tela de yute. 69,6 x 50,5 cm. Centro Georges Pompidou, Paris.

En ritmo, 1930. Óleo s/tela de yute. 69,6 x 50,5 cm. Centro Georges Pompidou, Paris.

Eidola, ex-pianista, 1940. Tiza grasa negra sobre papel Concept Biber s/cartón. 29,7 x 21 cm. Fundación Paul Klee, Berna

Eidola, ex-pianista, 1940. Tiza grasa negra sobre papel Concept Biber s/cartón. 29,7 x 21 cm. Fundación Paul Klee, Berna

«Cada vez más,  se me impone el paralelismo entre la música y el arte plástico. Y sin embargo, no consigo analizarlo. Las dos disciplinas artísticas comparten una naturaleza temporal, esto se puede demostrar fácilmente. En el estudio de (Henrich Knirr) hablamos justamente del  «recital» de un cuadro, refiriéndonos a los movimientos específicos de expresión temporal del pincel (y la génesis del efecto)»

Y fue durante el periodo de la Bauhaus cuando dio forma a su anhelo de dotar a la pintura abstracta de una teoría formal, con ejemplos visuales, estableciendo un puente entre las estructuras temporales de la música y la pintura. Los escritos de arte que preparaba para sus clases, están recogidos en un gran libro, con gráficos y dibujos a modo de ejemplo. Este libro es esclarecedor,  para conocer más en profundidad el legado del innovador Klee al universo de la abstracción.

Paul Klee. Écrits sur l'Art/1. La pensée créatrice. Ed. Dessain et Toira, Paris, 1980.

Paul Klee. Écrits sur l’Art/1. La pensée créatrice. Ed. Dessain et Toira, Paris, 1980.

Fechas clave

Paul Klee nació el 18 de diciembre de 1879 en Münchenbuchsee, cerca de Berna.
En 1898 partió a Múnich para ingresar en la Academia de Bellas Artes.
En 1906 se casó con la pianista Lily Stumpf. Su hijo Felix nació en 1907.
En 1916 fue incorporado en el ejército alemán de reserva, pero pudo pintar hasta el fin de la guerra.
En 1920 ingresó como profesor en la Bauhaus de Weimar.
En 1931 fue nombrado profesor en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf.
En 1933, los nazis lo destituyeron y regresó a Suiza.
Murió el 29 de junio de 1940 en Locarno-Muralto a causa de una esclerodermia.

Aquí pueden leer una pequeña entrevista con Christine Hopfengart, conservadora y experta del Zentrum Paul Klee. http://www.swissinfo.ch/spa/Especiales/Paul_Klee/El_hombre/Paul_Klee_era,_ante_todo,_un_observador.html?cid=899976

Centro Paul Klee en Berna

Museo de Bellas Artes de Berna

Bauhaus Dessau

(Las dos citas de Paul Klee, de los Diarios, Alianza Forma, 1987)

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Coleccionismo con chispa

Una Casa-Museo en Aravaca

El mecenas catalán Francisco Daurella decidió crear en Madrid la Fundación AMYC, en 2009, con el objetivo de difundir el arte catalán y mediterráneo de los siglos XIX y XX.

La Fundación AMYC  adquirió una casa en Aravaca, de 2.000 metros cuadrados de planta y 1.000 metros cuadrados de jardín y la transformó en Casa-Museo tras rehabilitarla. En sus instalaciones hay diferentes salas para la exposición permanente, salas para exposiciones temporales y una sala polivalente para actos culturales de diferentes tipos.

Exterior

Exterior

Jardin

Jardin

La Fundación AMYC promueve el arte modernista e impresionista catalán de los siglos XIX y XX tanto de la pintura, la escultura, como el dibujo. Abarca una colección de 257 obras, de las cuales 198 son pinturas, 32 esculturas y 27 dibujos.

Obras de Ramón Casas, Isidro Nonell, Salvador Dalí, Joan Miró, Pierre-Auguste Renoir, Joaquín Sorolla, Joaquín Mir, Mariano Fortuny, Anglada Camarasa, Torres García, Tapies, Benjamín Palencia…

Mariano Fortuny. Paisaje, Atlas c. 1860 Óleo s/cartón 39,5 x 72 cm

Mariano Fortuny
Paisaje, Atlas c. 1860 Óleo s/cartón 39,5 x 72 cm

Desnudo en el diván amarillo 1912 Óleo s/lienzo 100,5 x 150,5 cm

Joaquín Sorolla
Desnudo en el diván amarillo 1912. Óleo s/lienzo. 100,5 x 150,5 cm

Femme et jeune fille dans un paysage c. 1916 Óleo s/lienzo 40,5 x 46,5 cm

Pierre Renoir
Femme et jeune fille dans un paysage c. 1916 Óleo s/lienzo 40,5 x 46,5 cm

Desnudo 1923 Óleo s/cartón 35 x 53,5 cm

Benjamín Palencia
Desnudo 1923 Óleo s/cartón 35 x 53,5 cm

Anglada-Camarasa.Montserrat 1938 Óleo s/lienzo 60 x 60 cm

Anglada-Camarasa
Montserrat 1938 Óleo s/lienzo 60 x 60 cm

Figuras en un almacén 1949 Óleo s/cartón 44 x 52 cm

Joaquín Torres García
Figuras en un almacén 1949 Óleo s/cartón 44 x 52 cm

Naturaleza muerta 1930 Óleo s/lienzo 37,5 x 46 cm

Josep Mompou
Naturaleza muerta 1930 Óleo s/lienzo 37,5 x 46 cm

http://www.fundacionamyc.org/es/la-fundacio

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Días fríos

Niebla 1 Niebla 3 Niebla 4
Niebla 6

Adiós. Más allá de la neblina una niebla más profunda.

                                                                                Mitsuhashi Takajo

 

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Picasso / Góngora: Poesía gráfica

LIBRO DE ARTISTA. 2  ◊ Vingt Poèmes (1948) 

Imagen y palabra 

Después de la Segunda Guerra Mundial, Colonna, editor y amigo de Picasso, pidió al artista colaborar en el primero de una nueva serie de libros, Les Grands Peintres Modernes et le livre. En 1948 se publicó Vingt Poèmes, resultado de esta colaboración.

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Vingt Poèmes es un livre d’artiste, un libro de artista. La edición constaba de 275 ejemplares—de los cuales quince eran de lujo, e incluían un grupo de pruebas de todas las placas en papel de China. Estas impresiones de papel de China son el vehículo ideal para transmitir la riqueza de las ilustraciones de Picasso. De las quince copias, las cinco primeras se imprimieron en papel Japon imperial, para las otras diez se utilizó papel vitela de Marais.

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En Vingt Poèmes, Picasso rinde homenaje a Góngora y a Velázquez, recreando el retrato que éste hizo del poeta, en 1622. También rinde tributo al Greco, con la inclusión del soneto Al sepulcro de Domenico Greco.

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Al vincularse a sí mismo a maestros literarios y artísticos de la tradición barroca, Picasso debió considerar la trayectoria de un lenguaje común. El momento en que Picasso realizaba  Vingt  Poèmes coincidía con un periodo de reflexión del artista.

Descripción para las imágenes: Aguafuerte y aguatinta de azúcar en vitela de Marais. Meadows Museum, SMU, Dallas. Algur H. Meadows Collection, MM.75.04. Foto por Michael Bodycomb.

Descripción de las imágenes: Pablo Ruiz Picasso / Luis de Góngora y Argote, Vingt Poèmes, Les Grands Peintres Modernes et le livre, París, 1948. Aguafuerte y aguatinta de azúcar en vitela de Marais. Meadows Museum, SMU, Dallas. Algur H. Meadows Collection, MM.75.04. Foto por Michael Bodycomb.

Cuando Góngora murió en 1627, el poeta barroco quedó relegado. Trescientos años después de su muerte, el nombre del poeta y su innovador lenguaje fue redescubierto por los círculos literarios del mundo moderno. Las complejidades inherentes del gongorismo resonaron con la Generación del 27: Federico García Lorca, Rafael Alberti y otros poetas del círculo literario de vanguardia se inspiraron en los escritores de la época barroca. Góngora, en muchos aspectos fue la razón de ser de este círculo literario, cuyo nombre deriva del tricentenario de la muerte de Góngora—el grupo se consolidó después de reunirse oficialmente en el Ateneo de Sevilla en 1927 para conmemorar al poeta del siglo XVII.

(Texto extraído de la presentación de la exposición Góngora / Picasso. Graphic Poetry en el Museo Meadows, Dallas.
Hasta el 13 de enero.

Museo Meadows, Dallas

En la Fundación Pablo Picasso de Málaga existe un ejemplar del libro.
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Bores / Mallarmé. La siesta de un fauno

LIBRO DE ARTISTA. 1 ◊ L’Après-midi d’un faune (1943)

La ilustración lírica de Francisco Bores

El editor Tériade, propietario de la prestigiosa marca Verve, encargó a Bores un proyecto para realizar un libro de artista —ilustrar el poema de Stéphane Mallarme L’Après-midi d’un faune  / La siesta de un fauno. Corría el año 1943, en plena guerra mundial. Editor y artista mantuvieron una correspondencia sobre el proceso—maqueta, tipo de papel, recursos, etc–. Pero no se sabe muy bien lo que ocurrió, porque al final, el libro no se editó. Aunque Bores, que en aquellos años residía y trabajaba en París, trabajó intensamente en el proyecto.

Al cabo de los años, han visto la luz alrededor de 200 pruebas litográficas, ilustraciones esplendorosas que muestran el proceso creador de Bores para ilustrar esta joya de la poesía francesa.

Tenemos la oportunidad de ver unas 70 imágenes en una exposición, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, articuladas en las paredes—imaginando cómo podría haber sido la secuencia del libro.

Los versos de la égloga se han traducido por el poeta Antonio Gamoneda y su hija Amelia Gamoneda. Para el evento se ha encargado una pieza musical al compositor contemporáneo Adolfo Núñez, pionero de la música electrónica.

Del catálogo, a continuación algunas imágenes.

Gouache y tinta china sobre papel 331 x 503 mm

Gouache y tinta china sobre papel 331 x 503 mm

Lápices grasos sobre papel 328 x 505 mm

Lápices grasos sobre papel 328 x 505 mm

Ceras, lápiz y tinta china, pincel y pluma sobre papel 327 x 249 mm

Ceras, lápiz y tinta china, pincel y pluma sobre papel
327 x 249 mm

Lápices grasos sobre papel 325 x 498 mm

Lápices grasos sobre papel 325 x 498 mm

Lápiz y ceras sobre papel 325 x 250 mm

Lápiz y ceras sobre papel 325 x 250 mm

Gouache y tinta china sobre papel 330 x 502 mm

Gouache y tinta china sobre papel 330 x 502 mm

Aguada y tinta china sobre papel 331 x 251 mm

Aguada y tinta china sobre papel 331 x 251 mm

Barra litográfica, lápiz y tinta china sobre papel

Barra litográfica, lápiz y tinta china sobre papel

Aguada sobre papel 331 x 253 mm

Aguada sobre papel 331 x 253 mm

Aguada y tinta china sobre papel 302 x 261 mm
Lápiz color y ceras sobre papel 325 x 500 mm

Lápiz color y ceras sobre papel 325 x 500 mm

Aguada y lápiz sobre papel 328 x 254 mm

Aguada y lápiz sobre papel 328 x 254 mm

Aguada y papel impreso pegado sobre papel 332 x 504 mm

Aguada y papel impreso pegado sobre papel
332 x 504 mm

Aguada y papel impreso pegado sobre papel 332 x 504 mm

Aguada y papel impreso pegado sobre papel
332 x 504 mm

Aguada, tinta china y lápiz sobre papel 285 x 203 mm

Aguada, tinta china y lápiz sobre papel 285 x 203 mm

Lápiz grafito y lápiz azul sobre papel 325 x 250 mm

Lápiz grafito y lápiz azul sobre papel 325 x 250 mm

Lápices grasos y aguada sobre papel 330 x 253 mm

Lápices grasos y aguada sobre papel 330 x 253 mm

Lápices grasos sobre papel 300 x 260 mm

Lápices grasos sobre papel 300 x 260 mm

Tinta china y acuarela 331 x 503 mm

Tinta china y acuarela 331 x 503 mm


Bores / Mallarmé. La siesta del fauno
Sobre un proyecto inédito de ediciones Verve
Traducción del poema Antonio y Amelia Gamoneda
Música Adolfo Núñez
Comisario Javier Arnaldo
pdf del catálogo
Con el poema en bilingüe y textos de Javier Arnaldo

© imágenes Isabel Bores, Círculo de Bellas Artes

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Max Ernst, inventor de lo pictórico

Max Ernst con Willy Brand en 1972.

Max Ernst con Willy Brandt en 1972.

Como es imposible abarcar la importancia de Max Ernst en la pintura del siglo XX, hago una pequeña síntesis (para más detalle ver wiki, pincha aquí)

Nacido el2 de abril de 1891, en Brühl (Alemania)

–Estudió Filosofía y Psiquiatría en la cuidad de Bonn, dejando los estudios inconclusos. Participó en la I Guerra Mundial. En 1916, funda en el cabaret Voltaire de Zurich el movimiento Dadá. En 1917 inaugura la «sucursal» dadá de Colonia. En 1922 participó en París (1922) con André Bretón en la fundación del movimiento surrealista.

Max ERNST, Au-dessus des nuages, marche la Minuit. Au-dessus de la Minuit, plane l'oiseau invisible du jour. Un peu plus haut que l'oiseau, l'éther pousse et les toîts flottent.  Collage, 1920. 18,4 x 13 cm. Colección particular

Max ERNST, Au-dessus des nuages, marche la Minuit. Au-dessus de la Minuit, plane l’oiseau invisible du jour. Un peu plus haut que l’oiseau, l’éther pousse et les toîts flottent.
Collage, 1920. 18,4 x 13 cm. Colección particular

Pleiades. Collage 25 x 18 cm. Colección Privada

Pleiades. Collage 25 x 18 cm. Colección Privada

En la primera frase límpida. 1923. Detalle de un panel de la casa Eluard en Aeubonne

En la primera frase límpida. 1923. Detalle de un panel de la casa Eluard en Aeubonne

De esto los hombres no sabrán nada. Óleo s/lienzo. 81 x 64 cm. 1923.  Tate Gallery, Londres

De esto los hombres no sabrán nada. Óleo s/lienzo.
81 x 64 cm. 1923. 
Tate Gallery, Londres

—En la Segunda Guerra Mundial, fue hecho prisionero por la GESTAPO, logrando escapar en 1941 y viajando a Estados Unidos. Volvió a Francia en 1953–adquiriendo la nacionalidad francesa.

Arbol solitario y árboles juntos. Óleo s/lienzo 81.5 x 100.5 cm. 1940. Colección Thyssen Bornemisza, Lugano-Castagnola, Madrid

Arbol solitario y árboles juntos. Óleo s/lienzo 81.5 x 100.5 cm. 1940. Colección Thyssen Bornemisza, Lugano-Castagnola, Madrid

—Experimentador constante de nuevas técnicas pictóricas, fue el inventor del frottage, el grattage, la decalcomanía, y del driping. Fue autor de las llamadas novelas en imágenes—de carácter gráfico— utilizando el collageEntre 1929 y 1934, el artista alemán compuso tres novelas en imágenes tituladas La Mujer 100 cabezas (1929), Sueño de una niña que quiso entrar en el Carmelo (1930) y Una semana de bondad o los Siete Elementos capitales (1934). 

Max Ernst 7

Ernst, que ya en 1933 había visto su nombre incluido en la lista negra de los nazis, sufrirá especialmente los primeros avatares de la Segunda Guerra Mundial cuando, a causa de su condición de alemán, es internado en diversos campos de concentración franceses. Tras una serie de peripecias, consigue llegar a Estados Unidos en 1941. Regresó a Francia en 1952.

El reconocimiento universal a su trabajo le llega en 1954 con la concesión del gran premio de pintura de la Bienal de Venecia. Desde este momento hasta la fecha de su muerte, que se produce en 1976, las continuas retrospectivas de su obra lo confirman como una de las figuras fundamentales del arte contemporáneo.

Nacimiento de una galaxia. Óleo s/lienzo. 1969. Fundación Beyeler. Foto: Peter Schibli

Nacimiento de una galaxia. Óleo s/lienzo. 1969. Fundación Beyeler. Foto: Peter Schibli

Próxima exposición:

Museo Albertina de Londres

Retrospectiva de Max Ernst
23 enero – 5 mayo 2013

http://www.albertina.at/jart/prj3/albertina/main.jart?rel=en&reserve-mode=active&content-id=1202307119323&ausstellungen_id=1313041137170 

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El eterno retorno: pintores visionarios del desierto de Papunya

La exposición «En los orígenes de la pintura aborigen» presenta por primera vez en Europa (París) una antológica del gran movimiento artístico nacido en Papunya–en el desierto de Australia Central—a principios de 1970.

 

Freddy West Tjakamarra (1932-1994)

Freddy West Tjakamarra
(1932-1994)

Freddy West Tjakamarra Pintupi c.1940-95 Men’s ceremony (Wati Kutjarra) 1972 Acrílico s/panel de madera 45.5 x 31.5 cm Colección privada, Sydney Foto: Jenni Carter © artists and their estates 2011, licensed by Aboriginal Artists Agency Limited and Papunya Tula Artists Pty Ltd

Freddy West Tjakamarra. Ceremonia de los hombres 1972.
Acrílico s/panel de madera. 45.5 x 31.5 cm. Colección privada, Sydney.
Foto: Jenni Carter. © artists and their estates 2011, licensed by Aboriginal Artists Agency Limited and Papunya Tula Artists Pty Ltd

En la década de 1970 y principios de 1980 artistas del desierto central y occidental en Papunya, en la Tierra Norte de Australia, crearon un movimiento que transformó la forma de entender el territorio y concebir la historia del arte australiano. En grandes lienzos o en tablas de tamaño de una maleta experimentaron con el color y el estilo para contar sus sueños, vinculados a la tierra, la historia y la cultura. Comenzaron a trabajar con diferentes técnicas: lápiz y acuarela sobre papel pintura sobre paneles de madera. El punto, la línea y la sencillez de estas primeras obras son ahora reconocidos como esenciales en el movimiento Papunya.

Mick Namararri Tjapangarti (1927–98) 1991. Foto: Greenville Turner, The Right Image Pty Ltd.

Mick Namararri Tjapangarti 1927–98
En1991. Foto: Greenville Turner/The Right Image Pty Ltd.

Flying Dingoes, Mick Namararri Tjapaltjarri, 1974, pintura sintética sobre tela  796 x 614mm. Foto: Dean McNicoll

Flying Dingoes, Mick Namararri Tjapaltjarri, 1974, acrílico s/ lona 796 x 614mm.
Foto: Dean McNicoll

Papunya es una pequeña comunidad indígena de Australia—de 240 km2 aprox.— al noroeste de Alice Springs en el Territorio del Norte, Australia. Es tierra aborígen y se requiere de un permiso especial para visitar la zona. Sus habitantes son principalmente los Pintupi y Luritja  que fueron forzados a trasladar su residencia a ese lugar desértico en los años 30. Lugar inhóspito, el gobierno australiano construyó un agujero de agua y algunas viviendas básicas en la década de 1950 para dar cabida a la creciente población de personas de las comunidades aborígenes ya establecidas y las reservas.

Papunya

Y es en este lugar donde, en los años 70, hubo una eclosión artística que que por la década de 1980 comenzó a atraer la atención internacional y se mostró como un movimiento artístico importante. «El arte de los otros» como se les llamaba en Australia de manera despectiva, es actualmente el orgullo de Australia.

Los artistas de Papunya han constituido una cooperativa y se han convertido en una escuela que ha expuesto sus obras a lo largo de todo el mundo. El Museo Nacional de Australia tiene un fondo deslumbrante. Los más renombrados de los aborígenes pintores del grupo inicial quizá sean Clifford Possum Tjapaltjarri y Johnny Warangkula.

Clifford Possum Tjapaltjarri (1932–2002)

Clifford Possum Tjapaltjarri
(1932–2002)

Clifford Possum Tjapaltjarri, 1976, pintura sintética s/lienzo 710 x 555 mm

Clifford Possum Tjapaltjarri.
Dreaming Story at Warlugulong 1976. Acrílico s/lona en panel de madera 710 x 555 mm

Johnny Warangkula (1918–2001)

Johnny Warangkula
(1918–2001)

Johnny Warangkula Tjupurrula, 1974. Pintura sintética s/lona en panel de madera. 610 x 455 mm

Johnny Warangkula Tjupurrula
Mala and the Bad Uncles at Tjikarri (I) 1974. Acrílico s/lona en panel de madera. 610 x 455 mm

Fotos de Lannon Harley, George Serras and Dean McNicoll
©Creative Commons, D.R.
 
Por favor, mencionen la procedencia y créditos de las fotos.
 
 
 
En los orígenes de la pintura aborígen
Museo del Quai-Branly, París. Hasta el 20 de Enero
Con cerca de 200 pinturas y 70 objetos, la exposición presenta el arte espiritual y fuentes iconográficas del movimiento Papunya y traza su evolución desde los primeros paneles con grandes pinturas de los años 80 y 90.
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María Moliner reivindicada en el teatro

Maria_Moliner

La ópera prima de Manuel Calzada Pérez  El diccionario aporta luz a la figura de la gran lexicógrafa María Moliner. Y esta puesta en escena tiene lugar ni más ni menos que en el Teatro La Abadía, el prestigioso centro que dirige José Luis Gómez, miembro de la Real Academia de la Lengua.

María Moliner es la autora del diccionario más original y divertido que tenemos la suerte de disfrutar los castellano-parlantes—y en especial, los que se dedican a llamar a las cosas por su nombre, les gusta conocer la etimología de las palabras, o bien juegan con las letras en forma de crucigrama, canción, poema, o narración.

Ella dijo de su diccionario: «Si yo me pongo a pensar qué es mi diccionario me acomete algo de presunción: es un diccionario único en el mundo»

La Real Academia de la Lengua cerró el acceso de esta pionera al sillón que le correspondía por mérito propio. «En junio de 1973 la Real Academia Española le otorgó, por unanimidad, el Premio Lorenzo Nieto López, ‘por sus trabajos en pro de la lengua’ Sin embargo, en realidad era tarde, pues el rechazo de María Moliner, que tuvo enorme eco en la prensa y la puso de mayor actualidad que nunca, la convirtió en un nuevo mito del feminismo; por entonces, y en los años siguientes, se leyeron críticas muy duras hacia la actitud de una mayoría de los académicos.» (wiki)

«El diccionario»
de Manuel Calzada Pérez
Dirección: José Carlos Plaza
Producción: La Abadía y Anadramápete
Duración aproximada: 1 h. y 30 min.Sala Juan de la Cruz
Del 29 de noviembre al 23 de diciembre de 2012
Martes a sábado, 20 h.
Domingo, 19 h.
Por cierto, desde la web tenemos acceso al Diccionario de María Moliner
más sobre María Moliner
 ‘El exilio interior. La vida de María Moliner’ de Inmaculada de la Fuente, en Turner (Madrid, 2011. 384 páginas).
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El bosque en otoño. Fotos de Cercedilla y un poema

Camino de las aguas en Cercedilla

Camino de las aguas en Cercedilla

Los pinos del Camino Puricelli

Camino del Agua en Cercedilla

La fuente

Ya conozco este son: cuenta la historia
de las cosas que tienen
el alma repartida, el alma rota,
silábica de amor entre la inerme
vida de la creación: es como un bosque
de luces encendidas y en la nieve
que tan sólo alumbraran al reunirse:
como un aroma junto donde duermen
flores del sol antiguo que al mirarse
reviven, con olor, y luego vuelven
a ser en la memoria igual que un eco
de nombres diferentes,
de nombres que agonizan y que aún arden
al pronunciarse juntos, y distienden
el alma hasta que vibra
con este son, con este son, ¡con este
son, en que el ser hombre
va juntando su luz como una fuente!

                                                   Luis Rosales, Rimas
                                                  Madrid 1951

Fotos de Nieves Córcoles.
Por favor, respeten la autoría y mencionen procedencia. Gracias.
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La pintura convulsa de un Maestro español

Antonio Saura (1930-1998) es uno de nuestros grandes pintores y que nos ha dejado numerosos escritos sobre arte. Es curioso que fuera de España sea más estudiado que aquí, tal vez por su actitud crítica e incómoda que siempre mantuvo sobre temas como el Guernica de Picasso, o la herencia siniestra de nuestros antepasados regios. No tienen más que leer la información de la wiki para poder apreciar en nebulosa la controversia que suscita su obra.

Tuve la suerte de tenerle como maestro en los Cursos de Arte Actual del CBA (1985), recibiendo de él clases magistrales de la pintura del Prado (sobre todo las Meninas y el perro de Goya) así como la obra matérica que en 1985 inundaba las galerías, (también estaba de moda pintar perros, naufragios…) Me enseñó a valorar la obsesión como condición determinante para profundizar en lo inconsciente y su relación con la pintura.

El prestigioso Kunstmuseum de Berna  presentó el pasado mes de julio la mayor retrospectiva realizada hasta la fecha de la obra de Antonio Saura. En la conferencia de prensa previa a la inauguración, el comisario Cäsar Menz afirma que Antonio Saura es, junto a Pablo Picasso y Joan Miró, el tercer pintor más grande del Siglo XX español.  Weber-Caflisch es el otro comisario de la muestra y responsable de la Fundación Antonio Saura, cuya sede se encuentra en Ginebra. Esta institución contiene la mayor biblioteca disponible sobre el artista, se ocupa de administrar su legado y de producir un catálogo razonado de la obra del pintor de Huesca.

El perro de Goya num.2 (1985) 195 x 245 cm

Dora Maar (1983) 162 x 130 cm
Esta retrospectiva estará en el Kunstmuseum de Berna hasta el 11 de Noviembre

http://www.kunstmuseumbern.ch/fr/voir/aujourdhui/121-antonio-saura–120.html

http://www.antoniosaura.org/

Después viajará a Wiesbaden, Alemania.
De momento no se sabe si llegará a España….

Si quieren más información sobre la controversia con la Fundación de Antonio Saura en Cuenca, aquí hay un enlace

http://www.fundacionantoniosaura.org/

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La d-construcción de Madrid / derribos y voladuras


 

1. LA PAGODA 1965
Obra de Miguel Fisac

El edificio era la sede de los Laboratorios JORBA. De hormigón y cristal, con una estética futurista  y con influencias japonesas. El diseño de elementos estructurales ocupó a Fisac durante mucho tiempo y de su estudio salieron diferentes patentes de vigas que basaban su solución en los principios estructurales de los huesos largos. El sistema consistía en piezas de hormigón prefabricadas que se montaban en obra y se tensaban después.

“Veo que me encuentro con un cuadrado de 16m de lado, lo empiezo a girar 45 grados y me empiezan a salir unas superficies muy queridas en geometría: paraboloides hiperbólicos […] El objetivo final era precisamente eso: que el edificio fuera llamativo, y efectivamente lo era, lo que pasa es que a alguna gente le pareció demasiado llamativo”
                                                                Miguel Fisac, julio de 1969 Revista‘Arquitectura

Este edificio fue protagonista de uno de los episodios mas tristes de la conservación del patrimonio moderno, al ser derribado en 1999, cuando los nuevos propietarios del edificio, en connivencia con el Ayuntamiento de Madrid, siendo Alcalde José M. Álvarez del Manzano, decidieron derribarlo, a pesar de la fuerte oposición que ejerció el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid.

Algunos artistas se atrevieron a comparar el derribo de «la pagoda» con la quema de un Miró. Sobre el rumor extendido de que tras la demolición del edificio habia miembros del Opus Dei (Fisac perteneció a la Obra desde 1936 hasta 1955), reproducimos el relato que hizo el arquitecto sobre «la pagoda» a un miembro del Opus Dei, en una carta fechada en el año 1999:

«No querría presentar una lista detallada de las persecuciones que están demostradas que he padecido. Sólo te diré que cuando se lo conté en Roma al Obispo Maximino Romero de Lema, él me dijo que hablaría de ello con Álvaro Portillo, pues se solía ver con él en una Comisión de la Santa Sede, pero que sería mejor que yo antes, se lo contase directamente a Álvaro. Y así lo hice. Le telefoneé, me dijo que fuera a verle esa misma tarde. Me prometió resolver el asunto y me citó para el día siguiente. Y cuando volví, me explicó que había telefoneado a Florencio Sánchez Bella para que fuera a hablar con él, y que había dado orden de que no se me persiguiera.

Siguiendo tu carta, sobre «la pagoda», en la que recuerdas una conferencia que di hablando de que era un proyecto algo superficial en mi trayectoria arquitectónica. Te diré que en el programa de los laboratorios Jorba, el propietario me sugirió que le interesaba también que donde estuviera su despacho, la biblioteca, el bar, etc., hubiera algo que sirviera de anuncio o de reclamo. Esa «pagoda» formaba parte del programa que se me había pedido. Yo pude decir que esa torre era algo superficial, pero no que no le diera importancia. De hecho, arquitectónicamente, se le dio importancia, fuera de España; y esa ha sido la causa de su desaparición: Se veía demasiado, y los nuevos propietarios, no sólo me habían comunicado su idea de conservar «la pagoda», sino que me pidieron permiso para poner «Edificio Miguel Fisac». Y ya se había puesto el cartel con mi nombre sobre ella, cuando a las pocas semanas comenzaron a demolerlo rápidamente. Parece ser que en las oficinas municipales desde el principio, y para entregar los permisos de nueva construcción, exigieron reiteradamente que se derruyera el edificio en toda su totalidad, incluida «la pagoda».  (Continúa aquí wiki)

http://urbancidades.wordpress.com/2007/11/11/miguel-fisac-arquitecturas-perdidas-v/
 
 

2. FRONTÓN RECOLETOS 1935
Obra del ingeniero Eduardo Torroja en colaboración con el arquitecto Secundino Zuazo

El Frontón Recoletos constituyó en su día uno de los diseños más sobresalientes del ingeniero Eduardo Torroja. 
Durante la guerra, el edificio sufrió varios impactos directos que dañaron seriamente la estructura, produciéndose un hundimiento parcial. En 1942 Torroja presentó un estudio sobre las causas técnicas del hundimiento y de las obras necesarias para salvar el edificio, pero el mal estado del recinto impidió su realización.

En 1973 se llevó a cabo la demolición total del edificio del frontón.  Actualmente se levanta un bloque de viviendas en ese lugar.

3. MERCADO DE OLAVIDE 1935
Obra diseñada por el arquitecto Francisco Javier Ferrero

Foto de Diaz Casariego. Inauguración del mercado de Olavide el 14 de marzo de 1935. De la página web Historia de Madrid

Un mercado con una magnífica estructura octogonal de hierro y hormigón, estableciendo un diálogo con la propia Plaza de Olavide, donde confluyen ocho calles.

 

En 1972 y bajo el mandato del alcalde Miguel Ángel García Lomas, se proyectó un aparcamiento subterráneo y se decidió eliminar el mercado, aduciendo el mal estado del edificio.

El 2 noviembre de 1974 se derribó por voladura el mercado. El solar se convertiría, tras la finalización de las obras del parking, en una enorme plaza que después de sufrir diversas transformaciones verdaderamente desastrosas, donde privaba el cemento, y debido a la movilización de los vecinos, en el año 1998 se convocó un concurso ganando el proyecto que finalmente se ejecutó: ahora es un parque con una fuente central, con una zona reservada a juegos infantiles, y toda la plaza rodeada por terrazas de bar.

http://laplazadeolavide.blogspot.com.es/2011/02/la-reforma-de-la-plaza-de-olavide-de.html
http://laplazadeolavide.blogspot.com.es/2011/04/el-gran-regalo-de-la-ii-republica-la.html
 

 

4. PISCINA ‘LA ISLA’  de Luis Gutiérrez Soto 1932

De estilo racionalista, era una piscina y club social en pleno Río Manzanares, a la altura del Puente del Rey. Aprovechando un islote existente en el río, se construyó esta piscina con aspecto de barco.

Durante la Guerra Civil un obús alcanzó la piscina. A pesar de los grandes daños provocados durante la guerra, el edificio se reconstruye y vuelve a funcionar con el mismo uso, pasándose a llamar ‘Obra sindical, Piscinas la Isla’. En 1947 las incesantes lluvias desbordan el río Manzanares. A pesar de esta segunda catástrofe, se vuelve a abrir el recinto.

El 1 de febrero de 1954 se clausura definitivamente la Isla, debido a las obras de rencauzamiento del río.

 
 
 

5. TEMPLETE DE LA RED DE SAN LUIS 1919
Obra del arquitecto Antonio Palacios

De notable influencia art-déco, el templete era de granito con una marquesina de hierro y cristal, según se cuenta en la Enciclopedia de Internet Madrid histórico, “…la obra de Antonio Palacios Ramilo representa un punto de inflexión entre las tendencias arquitectónicas de finales del siglo XIX (eclecticismo, nacionalismo, regionalismo, historicismo) y un modernismo futurista. Su arquitectura tenderá hacia un monumentalismo clasicista en el que se combinan las composiciones volumétricas, el secesionismo vienes, el art déco, el funcionalismo norteamericano, lo autóctono, el empleo de nuevas tecnologías y un perfecto conocimiento de los materiales (hierro, cristal, acero, piedra, cerámica).”

En 1970, el alcalde Carlos Arias Navarro ordenó su desmontaje, y fue trasladado a Porriño, localidad natal del arquitecto.

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Cita con las vanguardias: Maria Blanchard y sus amigos de París

Maria Blanchard (Santander, 1881 – París, 1932) sigue siendo hoy, la gran desconocida. Perteneció a ese grupo de artistas europeos que consolidaron la renovación artística de principios del siglo XX.

La obra de María Blanchard puede definirse como cubista entre 1916 y 1920.

Bodegón cubista, 1917 Óleo sobre lienzo, 92 x 60 cm Colección Particular, Madrid

«…Desde que Blanchard mostró una de sus obras en el salón D’Antin, en 1916, cuando Picasso presentó por primera vez Las señoritas de Aviñón en una exposición en la que participaron Matisse y Modigliani, entre otros, cuando se trató de reavivar el mercado del arte en una época de depresión por la guerra (…) desde entonces, Blanchard estaba allí, por derecho propio, junto con los grandes». (Gloria Crespo, autora de Érase una vez en Paris, documental sobre María Blanchard)

Bodegón con caja de cerillas, 1918 Óleo sobre lienzo, 74 x 50 cm Colección Alberto Cortina

Gran amiga de Juan Gris, Diego Rivera (con los que compartió taller) y André Lhote, estaba inmersa en la búsqueda del orden cubista. Con Rivera y Gris compartió taller, viajaron juntos por Europa durante largos periodos y asistieron a las habituales tertulias artísticas de Paris. Estaba inmersa en un mundo intelectual dominado por hombres —tal vez el defecto físico que padeció le permitió que fuese aceptada y que la vieran como una artista auténtica— en su práctica deja demostrado que, plásticamente, se podía medir con los mejores pintores de la vanguardia.

Juan Gris, Pintura 65 x 54 cm,  Óleo sobre madera, 1916, Fundación Telefónica

Diego Rivera, Still Life Mallorca, Óleo sobre lienzo, 1915, Columbus Museum of Art, Ohio, donado por Ferdinand Howald

André Lothe, Pintura 65 x 81 cm,  Óleo sobre lienzo, 1917, Fundación Telefónica

Con motivo del 80 aniversario de su muerte, se celebra una exposición en su Santander natal, en la Fundación Botín (hasta el 16 de septiembre) La exposición está coproducida con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, que en otoño de 2012 presentará una gran antológica de toda su producción.
30 octubre. Inaugurada ya la magnífica retrospectiva en el Reina Sofía
Para el 14 de noviembre a las 18 h. el Reina Sofía ha programado una Mesa redonda En torno a María Blanchard. Vanguardia e identidad en la que intervendrán María José Salazar, Eugenio Carmona Mato, María Dolores Jiménez-Blanco, Carmen Bernárdez y Xon de Ros.

No se pudo celebrar esta mesa redonda, debido a la huelga del 14-N. Tendremos la oportunidad de asistir el próximo día 19 de diciembre, a las 18h. en el Auditorio del Edificio Sabatini.

Algunas de las obras expuestas en la antológica de Madrid

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